Lærerveiledning: Astrup Fearnley Samlingen Vi inviterer alle skoleelever til å bli kjent en unik kunstsamling bestående av internasjonal samtidskunst! En omvisning i Astrup Fearnley Samlingen vil gi et unikt innblikk i kunstens utvikling de siste 30 årene. Samlingen er utmerket som et utgangspunkt for å snakke om postmodernismen, og er dermed relevant i flere fagområder som norsk, historie eller samfunnsvitenskap. Flere av kunstnerne sampler og mikser ulike impulser fra ulike sfærer som popkultur, mytologi, historie og vitenskap. Dette har mye til felles med ungdommenes samplekultur hvor piratkopiering og fildeling opphever grensen mellom original og kopi. Vi vil bli bedre kjent med kunstnere som Damien Hirst, Jeff Koons, Anselm Kiefer, Charles Ray og Germaine Richier som alle er store navn i den internasjonale samtidskunstscenen. Gjennom en dialogbasert omvisning utforsker vi kunstverkenes form, materialer og filosoferer rundt hva verkene handler om. Elevene får et innblikk i mangfoldet av utrykk som finnes i samtidskunsten, og ser hvordan noen skulpturer er laget av helt vanlige objekter!
Astrup Fearnley Samlingen er en av Norges viktigste og mest omfattende private samlinger av samtidskunst. Samlingen dateres tilbake til 1960-tallet, og er i stadig utvikling og vekst. Den omfatter verk av internasjonale og norske samtidskunstnere, og fokuserer på individuelle kunstverk og kunstnere. Astrup Fearnley samlingen er ikke bygget opp som en kunsthistorisk samling. Det vil si at den ikke fokuserer på bestemte retninger eller kunstuttrykk. Samlingen består derimot av enkeltkunstnere som har hatt stor betydning for utviklingen av den internasjonale samtidskunsten de siste femti årene. Frem til 1990-tallet var disse kunstnerne ofte basert i Europa og USA. Vi finner sentrale verk av blant annet Cindy Sherman, Jeff Koons, Richard Prince, Damien Hirst og Matthew Barney i samlingen. I løpet av det siste tiåret har samlingen konsentrert seg om yngre amerikanske samtidskunstnere som Paul Chan, Nate Lowman og Dan Colen. I dag er de mest innovative kunstnerne like gjerne fra Kina, India og Brasil som New York eller London. Samlingen reflekterer denne globale kunstvirkeligheten med verk av blant annet Huang Yong Ping, Takashi Murakami, Shilpa Gupta og Thiago Martins de Melo. Samlingen som helhet reflekterer mangfoldet som har dominert kunsten de siste femti årene. Mange av verkene har en figurativ og narrativ karakter. Kunstnerne problematiserer vår virkelighet i form av visuelle kommentarer på en tilgjengelig og spektakulær måte ofte med en sterk samfunnskritisk undertone.
Med flyttingen til Tjuvholmen har museet fått bedre muligheter til å vise frem større deler av Astrup Fearnley samlingen i tillegg til skiftende utstillinger. Utvalget i samlingsutstillingen vil variere, men hovedverk som Anselm Kiefers The High Priestess/Zweistromland (1985 89), Damien Hirsts Mother and Child (Divided) (1993) og Jeff Koons Michael Jackson and Bubbles (1988) vil nå være permanent tilgjengelig for publikum. Les mer om flere av kunstnerne på museets nettside, www.afmuseet.no. Her vil dere også finne lydfiler som forklarer flere av verkene i utstillingen. Kort om utvalgte verk i samlingen Damien Hirst, Mother and Child Divided, 1993 Damien Hirst ble for alvor kjent i den internasjonale kunstverden da dette verket ble presentert på Venezia-biennalen i 1993. Verket er en radikal revurdering av et klassisk motiv fra kunsthistorien. Hirst referer til Marcel Duchamps ideer om en sidestilling av kunstog hverdagsobjektet, men han gjør dette på en måte som bringer inn helt nye og overraskende elementer. Hirsts originalitet ligger først og fremst i den vågale bruken av de døde dyrene på en måte som både problematiserer vårt forhold til liv og død og samtidig vekker en rekke ulike assosiasjoner. Mor og barn-tematikken har vært behandlet av kunstnere i århundrer. Utgangspunktet for motivet har vært relatert til den kristne ikonografien, og fremstillingene har som regel antatt menneskelige proporsjoner. I denne installasjonen har Hirst overført motivet til dyreriket og slik satt det inn i en ny og større sammenheng. Kua og kalven er begge delt over på midten og plassert i til sammen 4 tanker. Det er gjort for at man skal kunne gå mellom de ulike kroppsdelene og studere innsiden av dyrene omtrent på samme måte som man vil kunne gjøre i et naturhistorisk museum. Det har vært avgjørende for naturvitenskapen å dissekere døde dyr, og det er sosialt akseptert å forholde seg til innvoller i et vitenskapelig perspektiv. Men det distanserte naturvitenskapelige blikket blir forstyrret av den myke pelsen, øynene og tungen som stikker ut av kalvens munn. Mange opplever nettopp
dette møtet mellom det døde og det livaktige dyret som problematisk, og verket aktualiserer dermed en rekke spørsmål knyttet til forholdet mellom natur og vitenskap, mennesker og dyr. Charles Ray, Aluminum Girl, 2003 I Charles Rays kunst er kroppen det sentrale omdreiningspunktet. Helt fra de tidlige arbeidene som Plank-Piece og Bench, har han vært opptatt av spørsmål som balanse og kroppslig tilstedeværelse. Aluminum Girl er en avstøpning av hans tidligere kjæreste, kunstneren Jennifer Pastor. Men den hvite skulpturen er langt mer enn et portrett. Trekkene hennes er lett stilisert på en måte som kan minne om stereotype mannekenger. Ray har i flere tidligere arbeider bearbeidet mannekenger, både med og uten klær. Verket Male Mannequin er også inkludert i denne utstillingen. Som tittelen antyder er dette verket basert på en mannlig utstillingsdukke. Dukken fremstår som en readymade, bortsett fra at Ray har påført den en avstøpning av sine egne genitalier. Figuren fremstår dermed som en krysning mellom det ekstremt idealiserte og det ekstremt personlige, og kan leses som en kommentar til vår tids stiliserte skjønnhetsideal. Mannekengen som en moderne idealversjon av kroppen er et viktig kommersielt våpen, samtidig som den har forbindelser til en årtusenlang interesse for å lage realistiske fremstillinger av menneskekroppen. Den hvite Aluminum Girl har enkelte fellestrekk med den klassiske utstillingsdukken. Hun oppleves som en stilisert fremtoning med en lett kontrapost-positur som minner om tidlige greske skulpturer. Kvinnefiguren er plassert rett på gulvet uten den tradisjonelle basen. Den hvite fargen minner om de klassiske skulpturene i hvit marmor, men Ray har valgt å fremheve det faktum at han har jobbet med aluminium, et materiale som kjennetegnes ved sin letthet og styrke. Aluminium Girl er et fullkomment estetisk objekt som både fungerer som en kommentar til en årtusenlang vestlig skulpturtradisjon og samtidig fremstår som en tom idealisert representasjon av en reell person.
Anselm Kiefer, The High Priestess/Zweistromland, 1985-89 Skulpturer i bokformat er en viktig del av den tyske kunstneren Anselm Kiefers kunstnerskap. Mot slutten av 1980-tallet begynte han å samle blybøker i store hyller, som i et bibliotek, som i prinsippet kan utfylles og videreføres i det uendelige. Verket Zweistromland/The High Priestess,. består av to enorme hyller av stål og nærmere 200 bøker av bly, adskilt av en fire meter høy glassplate. Et «Spindelvev» av kobbertråder vikler seg over verket. Hver bok er unik og veier mellom 200 og 300 kilo. På hver ytterkant av bokhyllen er det plassert et reagensrør med vann. Med Kiefers snirklete håndskrift er de to hyllene navngitt som henholdsvis Euphrat og Tigris, elver i det nåværende Irak. Tittelen Zweistromland kan oversettes til «landet mellom de to flodene» og viser til Mesopotamia et av sivilisasjonens første arnesteder. Her ble noen av de første bøkene i vestlig sivilisasjon produsert av leire, og den bibelske fortellingen om Babels tårn er lagt til dette området. Den andre tittelen, The High Priestess, eller yppersteprestinnen, er på sin side en betegnelse fra tarot. Tarotkortet «Yppersteprestinnen» viser en sittende kvinneskikkelse som holder en bok. Hun representerer en skjult og mystisk kunnskap som ikke er målbar, men intuitiv. De askegrå bøkene virker å ha blitt utsatt for vær og vind og kjemiske prosesser. Omtrent halvparten av dem inneholder manipulerte fotografier i sort/hvitt, som viser utsnitt av jordens overflate og spor etter menneskelig aktivitet. I tillegg bærer mange av bøkene symbolsk ladet materie i seg, som leire, sand, erter og hår. Brent leire er skapt av livets bestanddeler jord, luft, ild og vann og kan knyttes til alkymiens mål om å transformere simpel materie til gull. Erter kan i teorien spire, og gi et symbolsk håp om vekst i fremtiden. Håret gir kroppslige assosiasjoner, og sett i lys av Kiefers interesse for traumene i tysk kollektiv bevissthet i etterkrigstiden, kan det sorte håret også peke mot jødenes skjebne i konsentrasjonsleirene under andre verdenskrig. Bøker er teknologi for å bevare kunnskap, og de lover å huske for oss. Kiefers bøker er blybeholdere som på samme tid bevarer og skjuler det de måtte ha av informasjon. Blyet, som er et giftig og mykt metall, er for eksempel sterkt nok til å beskytte innholdet i bøkene fra radioaktiv stråling, men gjør også bøkene for tunge til å ta ut av bokhyllen. Det visuelle inntrykket er fremfor alt forvitring og forgjengelighet. Zweistromland/The High Priestess
viser til fenomener som bare delvis lar seg uttrykke i ord, til historiens sus og til saker av obskur og psykologisk natur. Det hemmelighetsfulle ved denne bokhyllen som er full av alle mulige ting, gir deg som betrakter rom til å assosiere intuitivt basert på din egen historie, kunnskap og referanser. Jeff Koons, Michael and Bubbles, 1988 I 1988 lagde Jeff Koons serien Banality, som består av store, fargerike gjenstander laget av porselen og tre. Denne serien var et viktig steg videre for Koons, som søkte et kunstnerisk språk som skulle kommunisere så bredt som mulig. For første gang gikk han bort fra den rene overføringsmetoden, eller appropriasjonen av eksisterende objekter. Ved hjelp av profesjonelle håndverkere skapte han i stedet skulpturer inspirert av forskjellige stilistiske og dekorative forbilder hentet fra populærkulturen. Koons har studert massekulturens ikonografi og materialbruk, og er fascinert av hvordan elementer fra barokk og rokokko har blitt til gjenstand for borgerlig smak. Forgylt porselen, som lenge var forbeholdt de kongelige og aristokratiet, er i dag totalt demokratisert og benyttet til billig nips og masseproduserte pyntegjenstander. Skulpturen Michael Jackson and Bubbles, 1988 fremstiller derfor den berømte popstjernen som en gigantisk barokk nipsfigur i hvitt og forgylt porselen. Jeff Koons ønsket å fremstille den eksentriske sangeren som et slags moderne ikon. Og han ville gjerne gjøre det på en måte som oppvurderte den amerikanske middelklassens estetiske smak. Forgylt porselen blir ikke lenger regnet som god smak, selv om dette lenge var noe som bare de kongelige og aristokratiet hadde råd til. I dag er slike objekter masseprodusert og har mistet sin opphøyde status. Ved å presentere popstjernen Michael Jackson som en enorm nipsfigur brøt Koons med smakskonvensjoner og tvang frem en debatt om kunstbegrepet. Jeff Koons har uttalt at han tror The Beatles ville laget Michael Jackson and Bubbles dersom de hadde vært skulptører. Og samtidig legger han til at ingen noensinne har anklaget The Beatles musikk for ikke å være på et høyt nivå selv om den appellerer til et bredt publikum. Det er det samme han ønsker å oppnå med sine skulpturer.
Formidlingstilbud: Vi tilbyr 3 gratis omvisninger daglig (tirsdag-fredag) kl. 11, 12 og 13 (maks 35 elever per gruppe). Påmelding minst én uke i forveien til omvisning@fearnleys.no Målsetting: Målet er å motivere elevene til samtaler rundt kunstverkene og dermed lære mer om verdien av kreativ virksomhet og kunstneriske uttrykk. Møtet med samtidskunst vil kunne bidra til en høyere refleksjon rundt kunstens betydning i samfunnet og egen kreativ utfoldelse. Vi benytter dialogbasert formidling med fokus på flerstemmighet, deltagelse og selvrefleksjon, slik beskrevet i boken Dialogbasert formidling: Kunstmuseet som læringsrom (2012) av Olga Dysthe, Nana Bernhardt og Line Esbjørn. Kunstformidling tilpasset de ulike trinnene: Våre dyktige formidlere tilpasser den dialogbaserte omvisningen til de ulike alderstrinnene med begreper og vinklinger som de kan forstå og relatere seg til. Under er forslag på samtaler vi ønsker å sette i gang med elevene, men vi er også åpne for innspill og spesielle tematikker. Forarbeid: Kunst av hverdagsgjenstander Læreren introduserer begrepet samtidskunst og skulptur hvor elevene deler sine betraktninger om begrepene. Utrykket samtidskunst benyttes om kunst fra 1945 til i dag, og viser kunstnere som ofte har et eksperimentelt utrykk. Vedlagt ligger en link som forklarer postmodernisme med eksempler fra billedkunst fra Nasjonal digital læringsarena ndla.no: http://ndla.no/nb/node/82932 Begrepet readymade innføres i omvisningen, men kan gjerne diskuteres i forkant. Begrepet readymade relateres ofte til den franske avantgardekunstneren Marcel Duchamp (1887 1968) og hans radikale eksperimentering rundt forholdet mellom kunst og livet. Mest kjent er hans kunstverk Fountain (1917) hvor han snudde opp ned på et pissoar som ble signert og gitt en tittel. Slik ble en hverdagsgjenstand gitt en kunstnerisk verdi basert på en idé, mens håndverket ble gitt minimal betydning. Dette danner grunnlaget for konseptkunstens fremvekst, og bruken av hverdagsgjenstander i kunsten er meget utbredt i samtidskunstfeltet i dag. http://www.youtube.com/watch?v=lrwxbe0rjdu Velkommen på omvisning! Booking: omvisning@fearnleys.no