DECOR. TEMA: Portretter. Glassfusing Kort Påskemotiver GLASS DEKORMALING PORSELEN AKVARELL AKRYLMALING LØSSALG KR 99. DECOR-magasinet

Transkript

1 DECOR NO 1 M A G A S I N E T 2013 GLASS DEKORMALING PORSELEN AKVARELL AKRYLMALING LØSSALG KR 99 TEMA: Portretter Glassfusing Kort Påskemotiver DECOR-magasinet

2 Lær glass hos GlassForum - et av Europas beste kurstilbud Glass er farger Glass er lys Glass er uendelig formbart Av Roger Thomas Av Nathan Sandberg - et fantastisk materiale for kreativ utfoldelse Ny Nettside! Gå til N O R S K K O M P E T A N S E S E N T E R F O R B E A R B E I D I N G A V K U N S T G L A S S Kvernes, 6530 Averøy u Tlf Fax u post@glassforum.no u 2 DECOR-magasinet

3 INNHOLD Tema: Portretter 5 20 Glassfusing del 4 Islandsbrev 36 5 En verden av kvinner 11 Ansikter fra India 15 Portrett på porselen 18 Hodets proporsjoner 20 Glassfusing 27 Mønsterark 36 Hilsen fra Island 40 Henrikkes kreasjoner 46 Barneportrett 52 Galleriet Barneportrett 46 Galleriet Vakre kort TEMA FORLAG AS Averøy Norway post@decor-magasinet.no INFORMASJON Mer informasjon om abonnement og priser på neste side. Daglig leder: Grete Karlsen Redaktør: Margrete Tennfjord Oversetter: Tove Lain Knudsen Layout: OPAL design Trykk: One ToOne AS DECOR-magasinet

4 ANSIKTER Hver morgen møter du ditt eget ansikt i speilet. Du kjenner det godt. Jeg har en gang malt mitt eget selvportrett. Det var en morsom, men vanskelig oppgave. Sett på avstand i tid, kjenner jeg bedre igjen følelsene jeg satt med, mer enn den fysiske likheten. Det var en lærerik oppgave. I dette magasinet skal du få møte flere kunstnere som maler portretter og se noen av de mange ulike måtene man kan fremstille et ansikt på. Det finnes heldigvis ikke en fasit. Med penslene velger du ditt uttrykk, om det er å fange stemningene og ansiktsuttrykkene, eller du ønsker et så realistisk og korrekt portrett som mulig. Ansikter er et spennende motiv og vi håper du får glede av dette temaet som vi har valgt for årets første magasin. FACES Every morning you meet your own face in the mirror. You know it well. I once painted my own self-portrait. It was a fun, but difficult task. Seen from a distance in time, I more easily recognize my own feelings, than my physical likeness. I learned a lot from this exercise. In this issue you will meet several artists who paint portraits, and look at the many different ways a face can be portrayed. Fortunately, there is no one correct way to do this. With your brushes, you choose your own artistic expression, whether it is capturing the moods and emotions of your subject, or a realistic and physically correct portrait. Faces are truly fascinating subjects, and we hope you will enjoy the theme of our first issue of a new year! Informasjon Margrete Tennfjord REDAKTØR DECOR-magasinet kommer ut fem ganger i året (februar, april, august, oktober og desember). Forside/Cover: Akrylbilde malt av Britt Boutrous-Ghali Årsabonnement, priser pr : NOK 460, SEK 545, DKK 456, Є 62 Prices: Other countries: NOK 550 Adresse: TEMA FORLAG AS Kvernes, 6530 Averøy Norway Kontordager: Mandag & torsdag post@decor-magasinet.no Tel Bankinformasjon: Norge: Sverige: Danmark: reg.nr: 4073 Finland: Sveits: Die Post, Bern CHF PayPal service is available in all countries. Redaksjonen/ Editorial contribution: Vi ønsker gjerne å presentere arbeid, idéer, mønster og tips som dere sender inn. Send et brev eller en mail / Please contact: tennfjord@decor-magasinet.no Tel Annonser/Advertisment: Ta kontakt for mer informasjon: Please contact: post@decor-magasinet.no ISSN ABONNEMENTET LØPER TIL SKRIFTLIG OPPSIGELSE ER MOTTATT THE SUBSCRIPTION RUNS UNTIL WRITTEN CANCELLATION IS RECEIVED. 4 DECOR-magasinet

5 TEMA PORTRETTER Portrettmaling er et vanskelig og samtidig veldig spennende motiv. I denne utgaven har vi møtt tre ulike kunstnere som maler portretter med bruk av helt ulike materialer og karakterer. Tekst: Margrete Tennfjord Foto: Privat DECOR-magasinet

6 En verden av kvinner Brit Boutrous-Ghali blir aldri lei av å portrettere kvinner. Hun har laget en stor serie malerier med kvinner i ulike varianter, med et vedvarende ønske om å fremstille ansiktsuttrykkene som vi alle kan gjenkjenne hos hverandre. Britt Boutros-Ghali (født Britt Bang Paulsen) er en norsk kunstmaler bosatt i Kairo i Egypt. Hun ble født i Svolvær og vokste opp i Sortland, men hennes første separatutstilling hadde hun i 1965 i Galerie de l Universitée i Paris. Hun har hatt utstillinger i Frankrike, England, Tyskland, Spania, USA, Norge og Egypt. Hun har vært bosatt i flere land i løpet av livet. Hennes hoveduttrykk er som abstrakt ekspresjonistisk maler, men de siste årene har hun blitt opptatt av å male kvinneportretter. Det startet med et møte med noen kvinner som hun ikke fikk så godt førsteinntrykk av. Jeg bestemte meg for å se en gang til på dem, og ble fascinert av uttrykkene i øynene deres, forteller hun. Siden har interessen for å male kvinners ansiktsuttrykk blitt et av hennes 6 DECOR-magasinet

7 TEMA Kvinneportretter er Britt Boutros-Ghalis yndlingsmotiv. Hun forsøker å få frem ansiktsuttrykkene og fellesstrekkene. DECOR-magasinet

8 viktigste motiver. Hun maler med akryl og oljemaling på lerreter. Hun liker å arbeide i store formater. Bildene har blitt svært godt mottatt og mange av dem er solgt til både private og offentlige kunstsamlinger. Jeg søker etter kjærligheten i ansiktene deres, Jeg ser en fellesnevner i alle kvinner, den ene kvinnen er i oss alle,. Vi har alle i oss de samme følelser og uttrykk. uansett hvor vi bor eller hvilken farge vi har på huden, utdyper hun videre. «Swallow your pride occationally. It is not fattening.» (Frank Tyger) Britt Boutros-Ghali, er gift med egypteren Raouf Boutros-Ghali, og er svigerinne til tidligere generalsekretær i FN, Boutros Boutros-Ghali. Her er ekteparet tilstede på en av Britts siste utstillinger på Gallerie Picasso i Kairo. Atelier ved Nilen Britt Boutros-Ghali studerte maling og skulptur hos Ellen Christensen og Ferdinand Lunde i Oslo på slutten av 1950-tallet. Som ung kvinne fikk Britt en stor utfordring. Hun fikk tilbud om å stille ut maleriene sine i Geneve i et anerkjent galleri. På flyet til Geneve traff hun Raouf Boutros- Ghali fra Egypt. Etter denne turen brøt hun opp fra sitt liv i Norge og reiste til Egypt, hvor hun har bodd siden. I dag har hun atelieret sitt i en elvebåt på Nilen. Egypts farger og kultur har satt sine spor i hennes malerier, og hun er kjent for sine sterke, fargerike og energifulle malerier. Hun har en stor anerkjennelse internasjonalt og hennes bilder har vært utstilt sammen med bilder av Picasso, Kandinsky og Weidemann, og også sammen med moderne kunstnere som Eric Rein, Nabil Nahas og Jack Roth i The Edelman Art Gallery i New York. I 1996 fikk Britt St. Olavs orden for sitt virke, den høyeste ære som kan bli gitt i Norge. En anerkjennelse er det nok også at to av hennes barn har fulgt i hennes fotspor og blitt kunstnere. 8 DECOR-magasinet

9 TEMA «Nobody has ever measured, not even poets, how much a heart can hold..» (Zelda Fitzgerald) «Don t compare your life to others. You have no idea what their journey is all about.» (Regina Brett) «What other people in the wolrd think of you, is none of your business.». (Martha Graham) DECOR-magasinet

10 WOMEN OF MY WORLD Brit Boutrous-Ghali never tires of portraying women. She has created a large series of women of different varieties, with a continuing wish of showing facial expressions that we can all recognize in each other. Britt Boutros-Ghali (born Britt Bang Paulsen) is a Norwegian artist living in Cairo, Egypt. She was born in Svolvær and grew up in Sortland, but her first separate show was in 1965 in the Galerie de l Universitée in Paris. She has had shows in France, England, Germany, Spain, the US, Norway, and Egypt. She has lived in several countries throughout her life. Her main style is abstract expressionism, but during the last few years her favourite has been painting women s portraits. It started with a meeting with some women, who gave her such a good first impression. I decided to look at them again, and was so fascinated by the expressions in their eyes, she says. Since then, her interest in painting women's facial expressions has become the focus of her art. She paints with acrylics and oils on canvas. She likes to work in large formats. Her paintings have become well received, and several are sold to both private and public collections. I always look for the love in their faces. I see something common in all women, the one woman who is in us all. We all share the same emotions and expressions, no matter where we live or the colour of our skin, she explains. An Atelier by the Nile Britt Boutros-Ghali studied painting and sculpting with Ellen Christensen and Ferdinand Lunde in Oslo toward the end of the 1950s. As a young woman, Britt was given a large challenge. She was offered to show her paintings in Geneva, in a well-known gallery. On the plain to Geneva, she met Raouf Boutros-Ghali from Egypt. After this trip, she broke up her life in Norway, and travelled to Egypt, where she has lived ever since. Women s portraits are Britt Boutros-Ghali s favourite thing to paint. She tries to bring out facial expressions and the things that are common for all women. Today her atelier is in a river boat on the Nile. Egypt s colours and culture can be seen in her paintings, and she is known for her strong, colourful, and energetic paintings. She has gained respect internationally, and her paintings have been exhibited together with paintings by Picasso, Kandinsky, and Weidemann, and also with modern artists such as Eric Rein, Nabil Nahas, and Jack Roth in the Edelman Art Gallery in New York. In 1996, Britt received the St. Olav Order for her work, the highest distinction given in Norway. The fact that two of her children have also followed in her footsteps and become artists probably also feels as a distinction! 10 DECOR-magasinet

11 TEMA Ansikter fra India Vi fortsetter vår reise til India, hvor akvarellmaleren Chinmaya Panda portretterer menneskene han møter i sin hverdag. Med sin realistiske stil og øye for detaljer skaper han magiske øyeblikk på papiret. Chinmaya Panda er en ung, selvlært akvarellmaler, som stadig er på jakt etter å lære mer og bli bedre i sin kunstform. Jeg har vært glad i å male siden jeg var barn, og spesielt i vannfarger, forteller han. Allerede på skolen vant han premier i malekonkurranser. Han valgte å ta en ingeniørutdannelse innen kjemi, selv om han stadig kjente trangen til å male. I studietiden opplevde han at industriarbeidsplassene var bråkete og fulle av forurensing. En dag gikk jeg ut og så det vakre landskapet som lå rundt fabrikken, og en gnist ble tent i meg. Det ble et vendepunkt, hvor jeg innså at jeg skulle arbeide med mine pensler og malingen, sier han videre. Han kaller det sin skjebne, og forteller at valget han tok kom helt naturlig. Han begynte snart å male landskaper og tegne skisser av mennesker som han møtte på togstasjoner og bussholdeplasser. Jeg hadde prøvd meg fram med ulike medier som kullstifter, akrylmaling og vannfarger. En dag besøkte jeg en utstilling i hjembyen min med Raghu Bhai, og ble veldig imponert over hans arbeider. Vi kom i prat og En kvinne fra Bonda-stammen malt med akvarellfarger på Fabriano Artistico papir, 50 cm X 70 cm. DECOR-Magasinet

12 jeg ble invitert til hans hjem for å se hans tidligere akvareller. Han viste meg også bilder på internett av dyktige malere fra andre land. Den natten kunne jeg knapt sove, og allerede neste dag var jeg oppslukt av akvarellmalingens muligheter, sier Chinmaya. REALISMENS MAGI Chinmaya liker å portrettere personene slik som de er, og velger som regel modeller som ikke er de mest tradisjonelle. stammekvinnene. Som inder er jeg nok litt tilbøyelig til å vise frem så mye som mulig av alt det vakre mitt land har å tilby, smiler han. Etter å ha malt naturbilder i starten, er han i dag mer opptatt av portretter og stilleben. Han maler både mennesker og objekter med ærlighet og sensitivitet, selv om en akvarell har sitt eget liv. Når jeg maler portretter gjør jeg et poeng ut av hver hudfold, rynke og et hvert ansiktsuttrykk, forklarer han. Det var ikke profesjonelle modeller å få tak i, så Chinmaya Panda startet med å male etter fotografier. Men han kom snart til at for at han skulle forstå lys og farger i ansiktet rett, måtte han male etter ekte modeller. Så nå har både moren, bestemoren og venner måttet posere for han. - Mitt valg av palett avhenger av hva jeg maler. Jeg bruker som regel hele utvalget av farger, men er forsiktig. Jeg liker detaljer og å være så eksakt som mulig. Jeg liker den magsike realistiske stilen. Bakgrunnen maler jeg samtidig med objektet. Vanligvis er den slik som jeg ser den, men om det ikke passer til motivet hender det at jeg endrer det, forteller han videre. Et Bildetekst av siste portrettene er av en kvinne fra stammen Gadaba, 90 x 70 cm. NYSGJERRIGHET Når han maler portretter ser han grundig på hudtoner, skygger og refleksjoner i ansiktet. Han observerer fargene og maler forsiktig grunntonen i ansiktet. De lyseste partiene lar han være å male enda. Så markerer han de mørkeste områdene, før han legger på farge, lag for lag. Jeg bruker ofte Sennelier kvalitetsfarger og papiret er som regel Fabriano Artistico, cp 300 gsm, forklarer Chinmaya. Han har deltatt på seks fellesutstillinger og planlegger sin første separatustilling neste år. Jeg ser på meg selv som en nybegynner enda, sier han videre. Det hjelper å holde meg skjerpet, at jeg er nysgjerrig på nye teknikker og motiver. Det er denne nysgjerrigheten som driver meg og motiverer meg til å male. Det handler om å få male mine ideer og feste mitt perspektiv på verden til papiret med vannfarger, avslutter den talentfulle, unge studenten. Du kan se mer på hans hjemmeside 12 DECOR-Magasinet

13 TEMA En hellig mann i en av Indias ashramer, 50 x 70 cm. DECOR-Magasinet

14 THE MANY FACES OF INDIA We continue our journey to India, where the watercolour painter Chinmaya Panda portraits the people he meets in his everyday life. With his realistic style and eye for details, he creates magic moments on paper. Chinmaya Panda is a young and self-taught watercolor painter, who is always eager to learn more and improve his art. As early as in elementary school he won prizes in painting competitions. He chose to study chemical engineering, even if he always felt the need to paint. During his studies he experienced how industrial workplaces were noisy and polluted. One day I went outside and saw the beautiful landscape around the factory, and a spark was lit in me. It became a turning point, where I realized I was to work with my brushes and my painting, he tells us. Chinmaya likes to paint his subjects as they are, and usually chooses untraditional models, such as the tribal woman and the holy man. He paints both people and objects with honesty and sensitivity, even if a watercolour painting has its own life. I make a statement in each skin fold, wrinkle, and facial expression, he explains. I usually use the entire palette of colours, but carefully. I like details and being as exact as possible. I like the magical realism style very much, he says. When he paints portraits, he looks carefully at skin tones, shadows, and reflections on the face. He observes colours and carefully paints the basic tone of the face. He lets the lightest parts remain unpainted until later. Then he indicates the darker areas, before adding hues, layer upon layer. I often use high-quality Sennelier colours and the paper is usually Fabriano Artistico, cp 300 gsm, Chinmaya explains. I still see myself as a beginner, he continues. It helps to keep me focused, and curious about new techniques and motifs. It is this curiosity that motivates me to paint. It s about painting my own ideas and committing my look on life to paper, using watercolours, the talented, young student concludes. The forgotten values (33.5 x 38.5 cm) and The forgotten lamp (50 x 70cm) are painted with watercolours. 14 DECOR-Magasinet

15 TEMA Portrett på porselen Har du blitt inspirert og vil prøve å male et portrett selv? Audny Thuestad forklarer her hvordan du kan male dette motivet med porselensmaling. Tekst og foto: Audny Thuestad Når du skal male portrett på porselen bør du bruke gjenstander med god flate og jevn glasur. Ellers vil det bli store ujevnheter i ansiktet og det blir ikke pent. Porselensfliser og -fat er det beste, men det er ingenting i veien for å bruke vaser og lignende. Bare husk på at vi må brenne arbeidet vårt mange ganger. Først må du bestemmer deg hvilket motiv du ønsker. Velg deretter et objekt som passer til motivet. Så tar du en titt på hvor øyne, nese, kinn og hake er plassert i forhold til hverandre. På neste side finner du hjelpetegninger og noen oversikter over øyne, nese og munn. Tegn hjelpetegningen på porselenet. Forbered alle fargene og oljen du velger å male med. Jeg har brukt portrettfarger til dette motivet. Første brenning: Begynn med å male øynene før du går videre rundt øynene, pannen, nesen, kinn og hake. Dersom hals, bryst og ører vises tar du de også med. Ha en lett og jevn farge på håret. Legg lett farge på klærne. Mal svart på sommerfuglene. Når en skal male et portrett leter vi opp de lyseste fargene i bildet og starter med dem. Sløyfen i håret og Dette vakre portrettet er malt på porselensflis av Audny Thuestad. DECOR-magasinet

16 kjolen er malt med rosa. Brenn på 780 C. Andre brenning: Her forsterker jeg øynene, maler inn pupillen og nesen samt legger på bakgrunnsfarge. Husk høylys i øyet. Brenn på 780 C. Tredje brenning: Skygger over hele motivet der det behøves. Brenn på 770 C. Fjerde brenning: Skygger igjen hvor det trengs og lager fjær på hode. Brenn på 770 C. Femte brenning: Legger på Soft Enamel, små prikker og signerer arbeidet. Brenn på 770 C. PORTRAIT ON PORCELAIN Have you become inspired, and would like to try to paint a portrait on your own? Here, Audny Thuestad explains how you can paint this motif on porcelain. When painting porcelain on porcelain, you should use items with a good surface and an even glaze. Otherwise, the face will seem distorted, and that s not a good look. Porcelain tiles and plates are suitable, but there is nothing wrong in using a vase or another objects. Just remember that the object will have to be fired multiple times. First Fire: Begin by painting the eyes, before you paint the area around the eyes, forehead, nose, cheeks, and chin. If the neck, chest, or ears are visible, you should also paint these now. Use a light and even colour for the hair. Apply a light colour on any clothing. Paint the butterflies using Black. When painting a portrait, we look after the lightest colours in the painting, and start with them. The bow in the hair and on the dress is painted in Pink. Fire at 780 C. Second Fire: Here I enhance the eyes, paint in the pupils and the nose, and add background colours. Remember the highlight in the eye. Fire at 780 C. Third Fire: Add shading all over the motif, where necessary. Fire at 770 C. Fourth Fire: Again, add shading where needed, and add the feather on the head. Fire at 770 C. Fifth Fire: Add Soft Enamel, little dots, and sign your work. Fire at 770 C. In June, the talented porcelain artist San Do will come to Norway. He will demonstrate various portraits in Haugesund, hosted by Audny Thuestad. See more information on p. 59. This motif, painted by San Do, was first featured in No. 1/2009 with a sketch and suggested colours. 16 DECOR-magasinet

17 TEMA I juni kommer den dyktige porselensmaleren San Do til Norge. Han skal demonstrere tre ulike portretter i Haugesund hos Audny Thuestad. Se mer info side 59. Dette motivet malt av San Do var på trykk i nr med hjelpetegning og fargeforslag. DECOR-magasinet

18 HODETS PROPORSJONER Uansett hvilken teknikk du bruker for å male et portrett, er det enkelte grunnleggende mål som kan brukes for det menneskelige hodet. Tekst og tegning: Daivd Poxon Et menneskehode sett forfra har en oval form, bredere øverst enn neders. Hvert ansikt er forskjellig. Øynene, leppene og nesen har subtile detaljer som gjør hver person unik. Imidlertid er det slik at hovedtrekkene i alle ansikter følger de samme proporsjonene. For å regne ut de riktige proporsjonene, tegn en oval. Del på midten vertikalt Del denne linjen i 10 like horisontale streker Øynene er plassert litt over midtlinjen To streker fra den nederste kanten finner du leppelinjen Tre streker fra den nederste kanten finner du nederste nesetuppen Fem streker fra den nederste kanten finner du midtlinjen, like over den er altså øynene, og dette er også stedet der nesa slutter Øreflippene er på samme linje som nesetuppen. Det øverste av ørene er på samme høyde som øyenbrynene. PROPORTIONS FOR THE HEAD No matter which technique you are using to make a portrait there are some basic measurements for the human head. The human head from the front view is an oval shape, larger at the top than the bottom. Every face is different. The eyes, lips, and nose may have subtle characteristics that make every person unique. However the main features of every face conform to some basic principles of proportion. To calculate where these features are positioned draw an oval. Divide into half vertically. Divide this line into 10 equal parts. The eyes are placed just above the centre line. 2 divisions from the bottom edge is the lip line. 3 divisions from the bottom edge is the base of the nose. 5 divisions (centre line) is the line above which the eyes are placed, also where the nose starts to end. Bottom of the ears are level with the base of the nose line. Top of ears are level with top of eye (brow) line. As a general principle of measurement the face is 5 eyes wide. The very edges of the lips are level with the centre of the eyes. Depending on which angle the head is positioned will dramatically change these proportions and positions of the main features, but it is worth practicing the basic front view to get an understanding, and progress from there. 18 DECOR-magasinet

19 TEMA Som en generell regel kan du regne med at ansiktets bredde tilsvarer 5 øyner. Munnvikene er på samme vertikallinje som midten av øynene. Avhengig av vinkelen ansiktet er sett fra, vil disse proporsjonene variere dramatisk, men det er lurt å lære seg hovedreglene for et ansikt sett forfra, og gå videre fra dette utgangspunktet. David Poxon forklarer også trinn for trinn hvordan du kan male et barneportrett i akvarell på side 46. David Poxon forklarer også trinn for trinn hvordan du kan male et barneportrett i akvarell på side 46. DECOR-magasinet

20 Del 4: Fusing og ovnsformet glass Vi er nå kommet frem til den fjerde reportasjen i vår serie om fusing og ovnsformet glass. Vi skal se på de mest vanlige teknikkene for å forme glasset og hvordan man kan dele opp arbeidet med en gjenstand i flere brenninger for å oppnå ulike effekter. Tekst: Geir Morten Karlsen I de tre foregående utgavene har vi sett på bakgrunnen for, og forutsetningene for, fusing og hvordan man utarbeider en brennkurve tilpasset den gjenstanden man ønsker å lage. I dette nummeret skal vi se på de mest vanlige teknikkene for å forme glasset og hvordan man kan dele opp arbeidet med en gjenstand i flere brenninger for å oppnå ulike effekter. Her skal vi i stor grad bygge videre på de to første artiklene der vi bl.a. snakket om grunnleggende begreper/teknikker og hva som skjer med glasset i ulike temperaturområder. Temperaturene som er oppgitt er beregnet for bruk med Bullseye kompatibelt glass. Husk også at alle former skal behandles med separator før bruk. Sammensmelting Et «fusingprosjekt» starter nesten uten unntak med å smelte sammen to eller flere glassbiter til en flat plate. Bitene er da arrangert og dekorert med frit, stringers o.l. slik at gjenstanden får ønsket design. For bilder og figurer for oppheng kan ofte en brenning være nok, men i de aller fleste tilfeller vil man gå et steg videre og forme glasset. Til dette trenger man flere brenninger. Dette skyldes at selve sammensmeltingen og formingen foregår på så vidt forskjellige temperaturer at de ikke kan gjøres i en brenning. En starter alltid med den brenningen som krever høyest temperatur, dvs selve sammensmeltingen. Deretter gjennomfører man brenningen med nest høyest temperatur o.s.v. nedover inntil prosjektet er ferdig. Hvilken temperatur man velger i første brenning avhenger av i hvilken grad man vil at glasset skal smeltes sammen. Ønsker man en full sammensmelting der glasset skal være helt flatt etter brenning, velger vi en temperatur mellom f.eks ⁰C. Ønsker vi en relieffbrenning der man tydelig ser og kjenner at de ulike glassbitene ligger oppå hverandre, velger man en lavere temperatur, f.eks ⁰C. Glasset kan smeltes sammen på temperaturer helt ned mot ⁰C. Vi snakker da om en tackfusing der glassbitene ser ut som om de er limt sammen. Når glasset er smeltet sammen kan vi velge å fortsette å dekorere overflaten og brenne flatt en gang til eller vi kan gå videre til å forme gjenstanden. De mest vanlige teknikkene for forming er slumping, bending og sagging og valg av teknikk sier seg ofte selv avhengig av hvilken type gjenstand vi holder på å lage. Slumping Slumping er den mest brukte teknikken for forming av ovnsformet glass. Slumping betyr å «synke» eller «falle» og innebærer at vi legger det ferdige sammensmeltede emnet i en form og varmer opp inntil glasset synker ned i formen. Denne måten å forme glasset på gir oss god kontroll og innebærer at glassmassen bøyes og til dels presses sammen slik at den ferdige gjenstanden har samme utvendige form som innsiden på slumpingformen vi benytter. Glasset begynner å bøye seg når vi kommer over 600⁰C og normalt anses ⁰ som den laveste temperaturen det er formålstjenlig å benytte ved forming. Et arbeid som er klart for slumping. 20 DECOR-magasinet

21 Følg vår serie om glassfusing som startet i nr Denne gang handler det om forming av glasset og effekter. Generelt kan vi si at forming av glass er en kombinasjon av temperatur, masse og tid hvor disse tre variablene er avhengige av hverandre. La oss tenke oss at vi har et rundt fat med en diameter på 40 cm som skal slumpes ned i en jevnt buet kuleform. Dette er et relativt stort fat med høy vekt. Det innebærer at så snart temperaturen på glasset er kommet så høyt at glassmassen mykner så vil vekten av glasset sakte men sikkert sørge for at glasset synker ned i formen. Vi kan derfor velge en slumpingtemperatur som ligger helt ned mot ⁰ men må da regne med å holde lenge på denne temperaturen for at glasset skal synke helt ned i formen. Øker vi temperaturen vil vi kunne redusere holdetiden. Dvs. at vi ved f.eks. 640⁰C vil kunne oppnå samme resultat etter bare 10 minutter holdetid. Hva er så forskjellen? Jo, dersom vi velger høy temperatur vil glasset være mykere enn på en lavere temperatur. Dette vil bl.a. medføre at glasset lettere tar avtrykk av formen på høye temperaturer mens man ved å velge en så lav temperatur som mulig vil kunne få en kontaktflate som er tilnærmet fri for avtrykk. Dvs at man ved Richard M. Parrish Site section. lav temperatur faktisk vil kunne legge den blanke siden av glasset ned og få en blank og glatt utside på et fat eller en skål. Velger man derimot en for høy temperatur vil man kunne oppleve at glasset blir så mykt at det begynner å «renne» ned mot bunnen av formen. Det starter med en liten kul i bunnen av formen og ender opp med en stor klump i midten avhengig av hvor høy temperatur glasset utsettes for. Generelt kan man si at man har best kontroll dersom man velger en så lav slumpingtemperatur som mulig. Vær derimot oppmerksom på at jo mindre masse, desto mindre hjelp får vi fra tyngdekraften. Vi må da regne med å øke temperaturen og/eller holdetiden for å gjennomføre en tilfredsstillende slumping. Små fat (f.eks. 10x10 cm) vil derfor sjelden kunne slumpes på lavere temperatur enn ⁰C. Her må man prøve seg frem. Ha også i tankene at former med skarpe vinkler og kanter trenger høyere temperatur enn jevne former. Dette skyldes at man her ikke bare må bøye glasset, det må i tillegg også strekkes. Dette krever til dels betydelig høyere temperatur. Temperaturer opp mot 700⁰ er derfor ikke uvanlig. DECOR-magasinet

22 Bildet viser et oppsett i ovnen for bending. En ferdig tulipanvase. Bending Bending betyr å «bøye» og handler mye om det samme som slumping. Forskjellen ligger i at man ved slumping «bøyer» glasset ned i en form mens man ved bending bøyer glasset over en form eller en gjenstand. Teknikken er mye brukt både for fat og skåler der man ønsker en blank utside, men er mest utbredt for lamper, lampeskjermer, tulipanvaser og gjenstander med en friere form. Temperaturområdet for bending er i stor grad det samme som for slumping. Dersom man ser bort fra bøying av sylinderformede gjenstander der glasset skal bøyes bare i en retning, så vil man aldri få like god kontroll over glasset med bending som ved slumping. Dette skyldes at gjenstander som skal bøyes over en form i mer enn en retning alltid vil få materiale til overs som man ikke klarer å bøye inntil forma. Dette gir bøyer og folder som det kan være tilsynelatende vanskelige å kontrollere. Tulipanvasen er det klassiske eksempelet på dette. Ved bending er det plasseringen av glasset oppå forma sammen med vekten på glasset som er den viktigste faktoren for resultatet. Plasserer du glasset skjevt på forma slik at vekten er større på den ene siden av formen enn på den andre så er du garantert at det er den tyngste siden av glasset som vil bøyes først og legge seg inntil forma. Dette kan det være greit å ha i tankene. Legg merke til at de aller fleste bøyeformer er laget av rustfritt stål. Dette gjelder spesielt for høye, bratte former og skyldes at stålet har en høyere ekspansjonskoeffisient enn glasset. Dvs at forma vil krympe mer enn glasset under avkjøling og medføre at glasset ikke låser seg til forma. På samme måte er de aller fleste slumpingformer laget av keramikk som er et materiale med en lavere ekspansjonskoeffisient enn glass. Det finnes derimot unntak fra denne Her ser vi glassbiter som legges sammen for å smeltes til en plate. Den skal videre bendes til et fat. regelen og når du bruker disse må du ta forholdsregler. Dette gjelder spesielt for tulipanvaseformer i keramikk. Disse bør kles med keramiske fiber før bruk slik at glasset ikke kan låse seg til forma under brenning. Har du lyst til å prøve deg på å lage en tulipanvase skal du gjøre som følger: 1. Dekorer og smelt sammen emnet for vasen. 2. Plasser emnet oppå forma og programmer ovnen med en arbeidstemperatur på et sted mellom ⁰C med en holdetid på minutter. (Nærmere om utarbeidelse av brennkurver finner du i nr. 5/2012. Har du ikke dette nummeret så kan det bestilles i løssalg). 3. Når ovnen begynner å nærme seg arbeidstemperaturen du har valgt bør du kikke inn i ovnen for å se hvor langt prosessen har kommet. Når du synes at vasen har fått riktig form åpner du døra/lokket på vidt gap slik at kald luft kommer inn og kjøler ned glasset. Mens dette pågår omprogrammerer du ovnen slik at den begynner på avkjølingen. 22 DECOR-magasinet

23 Forslag på oppsett for sagging. Her er prosessen i gang. Snakk med ovnsleverandøren din om hvordan dette gjøres. Lukk ovnsdøra når temperaturen kommer ned til ca. 550⁰C og la resten gå av seg selv i henhold til programmet. Temperaturen vil da umiddelbart stige en del, men ikke så mye at glasset fortsetter å sige. Sagging Sagging betyr å «henge ned» og beskriver den siste av de store formeteknikkene for ovnsformet glass. Også her smeltes emnet sammen flatt før det formes. Formene som benyttes for sagging er som oftest flate former med hull i midten. Disse plasseres på stableklosser inne i ovnen og glasset legges over åpningen. Når ovnen varmes opp til over ⁰C vil glasset begynne å strekkes og synke ned igjennom åpningen i forma. Det er da viktig at emnet er en del større enn hullet i forma slik at glasset ikke faller ned igjennom hullet. Når man synes at glasset er strekt langt nok stopper man prosessen på samme måte som når du skal lage en tulipanvase. Sagging egner seg ypperlig for å lage vaser og drikkeglass, men benyttes også for å lage servanter og andre spennende objekter. Kanten som du alltid får på et saggeprosjekt kan du velge å fjerne ved å skjære et riss med en glasskjærer og deretter slå den av med en hammer eller du kan sage den bort. Det er viktig at emnet som du smelter sammen for å benytte til et saggeprosjekt er tilpasset ønsket størrelse og tykkelse på det ferdige prosjektet. Du vil ikke at glasset skal bli for tynt. Det er derfor vanlig å lage emner som har en tykkelse på mm eller mer. Teknikkene over beskriver bare de mest vanlige fremgangsmåtene for forming av ovnsformet glass. Her er stort rom for kreativ utfoldelse og det er bare å prøve seg frem med ulike former og materialer. Til slutt i denne reportasjen skal vi se nærmere på hvordan du kan lage et fat der designet er bygd opp av både farget glass, klart glass i relieff og malte elementer. Malingen du vil benytte har en brenntemperatur på 580⁰C. 1. Skjær til to 3 mm glassplater på 20 x 20 cm. Rengjør med glassrens og plasser dem på brennplata. 2. Dekorer med pulver, frit, stringer o.l. og brenn med en Vase laget på kurs hos GlassForum. arbeidstemperatur på 815⁰C og en holdetid på 10 minutter. 3. Legg på ulike elementer av klart glass og brenn på nytt, denne gangen med en arbeidstemperatur på 740⁰C og en holdetid på 10 minutter. 4. Slump gjenstanden i en lett kurvet form med en arbeidstemperatur på 680⁰C og en holdetid på 10 minutter. 5. Mal på detaljer og legg fatet tilbake i forma. Brenn på nytt på 580⁰C og en holdetid på 10 minutter. For utarbeidelse av fullstendige brennkurver vil vi vise til nr. 5/2012. Siste artikkel i denne serien komme i neste nummer av DECORmagasinet. Da skal vi kose oss med massevis av bilder og se på noen av de muligheter som finnes innen ovnsformet glass og fusing. DECOR-magasinet

24 Part 4: FUSING AND KILNFORMED GLASS We have reached the fourth instalment of our series on fusing and kilnformed glass. This time, we will look at some of the most useful techniques for shaping the glass, and how you can divide the process into several fires in order to achieve different results. In the three previous instalments we looked at the background for, and the premises of fusing and how to work out a firing schedule suitable for the piece at hand. In this issue, we will look at the most common techniques for shaping the glass, and how to divide the process into several fires in order to achieve various effects. Here, we will mostly build on the previously discussed techniques, including basic concepts and techniques, and what happens to the glass at different temperature ranges. The temperatures given are suitable for Bullseye compatible glass. Remember that all moulds must be treated with a separator before using. Fusing A fusing project almost always starts with fusing together two or more pieces of glass into a flat tile. The pieces are arranged and decorated with frit, stringers, etc, giving the piece the desired design. For flat pieces, such as wall hangings, one fire may be enough, but in most cases, you will want to take it a step further and shape the glass. For this, you need several firings. This is because the fusing and the shaping happen at such different temperatures, that it is impossible to do it all in one go. You always start with the process that requires the highest temperature, ie the fusing. Then the process that requires the second highest temperature and so on, until the project is done. Which temperature you choose for the first firing depends on the desired effect of the fusing. If you want a complete fusing, after which the glass is completely flat, you choose a temperature between C. If you want a relief fire, in which you can clearly see and feel the various pieces of glass, you choose a lower temperature, eg C. Glass can be fused at temperatures as low as C. This process is called tack fusing, and the pieces of glass look as if they are glued together. When the glass is fused, we can continue decorating the surface and fire flat again, or proceed to shape the glass. The most common techniques include shaping or slumping, bending, and sagging, and the choice of technique is dependent on the type of glass we want to create. Slumping Slumping by far the most common technique for kilnsha- Glass bowl by Nathan Sandberg. ped glass. As the name implies, it means that the glass sinks or falls into the desired shape. To achieve this, we put the already fused piece of glass into a mould, and heat it up until it melts enough to sink into the mould. This way of shaping glass gives us a lot of control, and means that the finished piece has the same outer shape as the inside of the slumping mould. Glass begins to bend when we reach a temperature above 600 C, and normally, is considered the lowest suitable temperature for slumping. In general, we can say that shaping glass is a combination of temperature, mass, and time, and all three variables are dependent on each other. Imagine that we have a round dish at a diameter of 40 cm, which we want to slump into an even, rounded shape. This is a relatively large, heavy weight. This entails that as soon as the temperature of the glass has reached the point where the glass mass softens, the weight of the glass will slowly, but surely guarantee that the glass slumps into the mould. We can therefore safely choose a slumping temperature as low as , but with a longer time frame to allow the glass to slump all the way into the mould. At a higher temperature, eg. 640 C, we would achieve the same result after just a 10 minute holding time. What then, is the difference? If we choose a higher temperature, the glass will be softer than at the lower temperature. This means, among other things, that the glass will be imprinted by the shape of the mould at the higher temperature, but at a lower temperature, the 24 DECOR-magasinet

25 glass will be virtually free of any imprints. At a low temperature, you can put the even side of the glass into the mould, and achieve a blank and smooth outside of a dish or a bowl. If you choose a too high temperature, you may find that the glass becomes so soft that it starts to run into the bottom of the mould. It starts with a little bulge in the bottom of the mould, and ends up with a large bulge depending on how high the temperature has been. As a general rule, you can say that you have more control the lower the slumping temperature. But be aware of the fact that the smaller the mass, the less help you will get from gravity. You have to calculate a higher temperature or holding time to carry out a satisfactory slumping process. Small dishes (eg. 10x10 cm) will therefore rarely slump at a temperature lower than C. It is a good idea to experiment. Keep in mind also that moulds with sharp angles and edges need a higher temperature than more even moulds. This is because the glass not only needs to slump, it needs to be stretched. This requires significantly higher temperatures. Temperatures up towards 700 are not unusual. Bending As the name implies, bending is very similar to slumping. The difference lies in the fact that when slumping, the glass slumps into a mould, while bending means that the glass is bent over a mould or some other object. The technique is often used for dishes and bowls where a smooth outside is desired, but is most commonly used for lamps, lampshades, tulip vases and other items with free-flowing shape. The temperature range for bending is much the same as for slumping. If we disregard the bending of cylinder shaped items, in which the glass is bent only in one direction, you will never achieve the same control over the glass with bending as with slumping. This is because an item that is to bent over a mould in more than one direction, always ends up with left over material that is unable to fit to the mould. This results in folds and wrinkles that often can be difficult to control. The tulip vase is a classic example of this. When bending, it is the placement on top of the mould together with the weight of the glass that are the most Student work from class at GlassForum. important factors for the result. If you place the glass unevenly on the mould, so that it is heavier on one side than the other, then you are guaranteed that the heaviest side of the glass will bend first and fit itself to the form. This is important to remember. Note that most bending moulds are made from stainless steel. This is especially true for tall, steep shapes and is because the steel has a higher expansion coefficient than the glass. This means that the mould will shrink more than the glass during cooling, preventing the glass from adhering to the mould. Correspondingly, most slumping moulds are made from ceramics, a material with a lower expansion coefficient than glass. There are exceptions from this rule, and when you use these you have to take precautions. This is especially true for ceramic tulip vase moulds. These should be covered in ceramic fibres before using, preventing the glass from adhering to the mould during firing. Do you want to create your own tulip vase? Follow these instructions! 1. Decorate and fuse together the glass for the vase. 2. Place the glass on the mould, and program the kiln as follows: choose a working temperature somewhere between C with a holding time of minutes. (A more detailed discussion on firing schedules can be DECOR-magasinet

26 found in no. 5/2012. If you do not have this issue, it is possible to order it separately). 3. When the kiln starts to approach the working temperature, you should take a peek into the kiln to see how far the process has come. When you feel that the vase has the right shape, you open the door/lid wide, so that it can begin to cool off. Talk to the manufacturer of your kiln for how to correctly do this. Close the kiln door when the temperature reaches approx. 550 C and let it cool down naturally from there, according to your firing schedule. The temperature will rise at first, but not so much that the glass continues to bend. Sagging Sagging is the last of the common techniques for kilnshaping glass. As in the previous techniques, the glass is first fused flat before shaping. The moulds used for sagging is most often flat shapes with holes in the middle. These are placed on stacking blocks inside the kiln, and the glass is put over the opening. When the glass is heated up to above C, the glass will begin to stretch and sag through the opening of the mould. It is extremely important that the glass itself is not smaller than the hole in the mould, so that it doesn t all just sink through the opening. When you feel that the glass has reached its intended shape, you stop the process in the same way as when you made a tulip vase. Sagging is well suited for vases and drinking glasses, but is also used for creating sinks and other exciting objects. The edge, which all sagging products have, can be removed by cutting with a glass cutter, and then knocking off the edge with a hammer. It s also possible to saw it off. It s important that the glass that has been fused to be used for a sagging project is of sufficient size and width for the finished project. You don t want to the glass to be too thin. The most commonly used thickness is mm or more. The techniques above describe only the most widely used procedures for kilnshaping glass. There are many opportunities for the creative glass artist, and we encourage you to try different moulds and materials! Work in progress. clear glass relief, and painted elements. The paint used has a firing temperature of 580 C. 1. Cut out two 3 mm glass pieces of 20x20 cm. Clean the pieces with glass cleaner, and place them on the firing plate. 2. Decorate using powders, frit, stringers, etc. and fire at a working temperature of 815 C and a holding time of 10 minutes. 3.Put different pieces of clear glass on top, and fire again, this time at a working temperature of 740 C and a holding temperature of 10 minutes. 4. Slump the glass in a lightly curved mould with a working temperature of 680 C and a holding temperature of 10 minutes. 5. Paint any details, and put the dish back into the mould. Fire again at 580 C with a holding time of 10 minutes. For a discussion on how to work out a complete firing schedule, please see no. 5/2012. Our last instalment of this series is can be found in the next issue of DECOR-Magasinet. Then we will enjoy ourselves with lots of photographs of different projects, and have a closer look at all the possibilities that kilnshaped glass and fusing give us. We will end this time by looking at how you can create a dish in which the design is created by coloured glass, 26 DECOR-magasinet

27 MØNSTERSIDER napp ut og ta vare på! VÅRVASER Her er to flotte, vårlige vaser malt på glass av Bente Veslemøy Jacobsen fra Høybråten. De er malt med gul, brilliantgrønn, dyp purpur, orange eller gulrød.se også side 56. SPRING VASES Here are two spring vases in glass, painted by Bente Veslemøy Jacobsen from Høybråten. They are painted in Yellow, Brilliant Green, Deep Purple, Orange or Yellow Red. See also page 56. DECOR-magasinet

28 PÅSKEFAT Dette flotte fatet er malt av Anna-Lisa Andersson som bor i Trollhâttan i Sverige. Hun har laget en tegning av motivet og deler her fargene hun har brukt når hun malte. Farger: Påskeliljer: Mixing Yellow, sjattert med Sunshine og Pumpkin Hvit høne sjattert med Ocre, brun høne malt med Pumpkin. Kyllingene er malt i Mixing Yellow sjattert med Deep Brown. Høne med blått er malt med Pumpkin og Blue Grey. Treverket er Deep Brown og trebaljen er Brown sjattert med litt Antique Green. Mal i flere omganger og brenn ved 780 grader C. 28 DECOR-magasinet

29 EASTER PLATE This lovely plate is painted by Anna-Lisa Andersson, who lives in Trollhâttan, Sweden. She has drawn a sketch of the design, and is happy to share which colours she used when she painted this. Colours: Daffodils: Mixing Yellow, shaded with Sunshine and Pumpkin. White hen shaded with Ochre, brown hen shaded with Pumpkin. The chickens are painted in Mixing Yellow, shaded with Deep Brown. The hen with some blue is paintd in Pumpkin and Blue Grey. The woodwork is done in Deep Brown, and the wooden container is done in Brown, shaded with some Antique Green. Use several fires, all fired at 780 degrees C. DECOR-magasinet

30 PÅSKEMOTIVER Disse vakre påskemotivene er malt av Anna-Lisa Andersson fra Trollhâttan i Sverige. Her får du noen fargeforslag og fortegninger til påskeliljene og blåveisene. Påskeeggene og kurven: Påskeliljer i Mixing Yellow sjattert med Pumpkin og Sunshine Yellow. Bakgrunn i Blue Violet. Blader i Yellow Green og Dark Black Green. Blåveis: Blue Violet, Baby Blue, svak American Beauty, Yellow Green og Dark Blue Green. Mal i flere omganger og brenn ved 780 grader C. 30 DECOR-magasinet

31 EASTER DESIGNS These lovely Easter designs are painted by Anna-Lisa Andersson from Trollhâttan, Sweden. Here, you will find some suggested colours, and sketches for the daffodils and the blue anemones. Easter Egg And Basket In Porcelain Daffodils in Mixing Yellow, shaded with Pumpkin and Sunshine Yellow. Background in Blue Violet. Leaves in Yellow Green and Dark Black Green. Blue Anemones Blue Violet, Baby Blue, light American Beauty, Yellow Green, and dark Blue Green. Use several fires, and fire at 780 degrees C. DECOR-magasinet

32 DEKORERT PÅSKEEGG Dette flotte påskeegget er dekorert av Henrikke Kormeseth-Rødal i Ålesund. Hun forklarer deg her hvordan du selv kan lage et like fint påskeegg. Se mer av det hun har laget på side 40. Materialer: Påskeegg Hvitmaling/Gesso Decopage Saks Servietter Pynt 1. Det første du gjør er å male egget ditt hvitt. Du skal ikke vente på at egget skal tørke, gå rett videre! 3. Legg det så fint du klarer inntil egget. Ikke prøv å flytt på det, da ødelegger du servietten. 2. Finn deretter frem servietten og ta av bare det ytterste laget. Da får du med det laget som inneholder farger og mønster. 4. Snu egget og la det tørke. Gjerne over natta, så er du sikker på at du ikke ødelegger noe. 32 DECOR-magasinet

33 DÉCORATED EASTER EGG This lovely Easter egg is decorated by Henrikke Kormeseth-Rødal from Ålesund. She explains how you can create an décorative Easter egg like this. See more of her art on page 40. Du kan lage egg i flere farger og variere pynten. 7. Deretter avslutter du med å male på et tykt lag med Decoupage. Dette kan du godt la tørke en god stundt før du begynner å pynte egget ditt. Materials: Easter Egg, White paint/ Gesso, Decoupage, Scissors, Napkins and Décorations. 5. Klipp deretter av det som er overflødig rundt. 6. Slik vil egget ditt bli seende ut da. Husk at egget har to deler, så det må gjøres med begge delene. How to do it: 1. The first thing you need to do, is paint the egg in White. 2. Don t wait for the egg to dry, move right on! Then take out your napkin, and peel off the outer layer. This is the layer with colours and patterns. Most napkin are threeply, so you can throw away the remaining two layers. 3. Apply as carefully as possible on the egg. Don t try sliding it around, you will ruin the napkin. 4. Turn the egg, and leave to dry. Preferably overnight, then you are certain not to ruin anything. 5. Then cut off any surplus napkin. 6. This is how the egg looks at this point. Remember: the egg has two sides, so you have to do the same thing on both sides. 7. Then you end by applying a thick layer of Decoupage. Let this dry thoroughly before décorating your egg further. DECOR-magasinet