SKMU Sørlandets Kunstmuseum 2011

Transkript

1 SKMU Sørlandets Kunstmuseum 2011

2 SKMU Sørlandets Kunstmuseum 2011 SKMU Sørlandets Kunstmuseum 2011 Design by Bleed, Oslo Printed in Latvia by InPrint, Riga Paper Amber Graphic 2011 SKMU Sørlandets Kunstmuseum, artists and photographers

3 INNHOLDSFORTEGNELSE TABLE OF CONTENTS 6-9 INNLEDNING INTRODUCTION TOM CLAASSEN TOM CLAASSEN SARA MACKILLOP SARA MACKILLOP ROVING EYE: FILM OG VIDEOKUNST ROVING EYE: FILM AND VIDEO ART FRA SØRØST-ASIA FROM SOUTH EAST ASIA JUN NGUYEN-HATSUSHIBA JUN NGUYEN-HATSUSHIBA ØYSTEIN AASAN ØYSTEIN AASAN MAIKEN BENT MAIKEN BENT EIJA-LIISA AHTILA EIJA-LIISA AHTILA MARKO VUOKOLA MARKO VUOKOLA SCREAMING FROM THE MOUNTAIN: SCREAMING FROM THE MOUNTAIN: LANDSCAPES AND VIEWPOINTS LANDSCAPES AND VIEWPOINTS PUNKTKUNST 2011: DAVID SYLVIAN PUNKTKUNST 2011: DAVID SYLVIAN JAN CHRISTENSEN JAN CHRISTENSEN SANNA KANNISTO SANNA KANNISTO PILVI TAKALA PILVI TAKALA PETER CALLESEN PETER CALLESEN ENGLENE KOMMER! THE ANGELS ARE COMING! SAMLINGEN THE COLLECTION OPUS INCERTUM OPUS INCERTUM OM MUSEET ABOUT THE MUSEUM FORMIDLING EDUCATION FOAJÉ/BOKHANDEL/CAFÉ FOYER/BOOKSHOP/CAFÉ SPONSORER/PARTNERE SPONSORS/PARTNERS ETASJER FLOORPLANS Sanna Kannisto, Leptophis Ahaetulla, 2006.

4 Introduction Innledning Man kan se langt fra Sørlandet, for horisonten er vid. Om man setter en passerspiss i Kristiansand, og den andre lengst opp i Nordkapp, omslutter sirkelen alle landene i Europa. Den når til Afrikas nordkyst og tangerer nesten Grønland. For en region hvor sjøfarten historisk har vært en basisnæring, er dette «nærområdet» ikke urimelig. På SKMU Sørlandets Kunstmuseum arbeider vi for å leve opp til forventningene til et krevende publikum for forventningene er alltid store, og veldig skiftende. Vi er i en region og den skal vi arbeide for. Vi virker i Norge og der skal vi være et av de fremste museene. Og i en globalisert tid skal vi leve i verden. For å fo rstå det lokale og nasjonale, må vi speile oss i noe større. The view is immense from Sørlandet, because the horizon is wide. Putting a compass point in Kristiansand and a pencil point on North Cape, the circle you draw encompasses all the countries of Europe. It extends to the North African coast and almost touches Greenland. For a region with a long history of commercial shipping, treating this as our neighborhood is not unreasonable. At SKMU Sørlandets Kunstmuseum, we strive to live up to the expectations of a demanding public as the expectations are always high and change rapidly. The region we are in is who we work for, and our aim is to be one of the foremost museums in Norway. In addition, we live in a globalized world. To understand the local and national contexts, we must see our reflection in a larger mirror. I believe the public recognize quality when they see it, even though it can be challenging to adjust to unaccustomed expressions. When we who work at the museum prepare exhibitions, we learn a great deal, and our most important challenge is to convey this to the public. It is perfectly possible to feel at home with art, but it must not be a passive recognition along the lines of it looks like it normally does in a museum. There should be a challenge, both intellectually and emotionally. One is not forced to like Jeg tror at publikum kjenner igjen kvalitet når de ser den, selv om det iblant er en utfordring å omstille seg til uttrykk man ikke er vant med. Når vi som fagstab arbeider med utstillingene, lærer også vi mye, og det er vår viktigste utfordring å formidle dette til publikum. Man kan godt kjenne seg igjen i kunsten, og føle seg bekjent med den, men det får ikke bli en passiv gjenkjennelse, at «her ser det ut som det pleier på et museum». Det skal være en utfordring, intellektuelt og følelsesmessig. Man må ikke like alt, man får gjerne bli opprørt om man vil. Vi er her for å engasjere, og selv forbli engasjert. Det siste året har vi forandret en hel del på museet. Vi får i år en ny hjemmeside, laget av Bleed, et av Norges fremste designbyråer, som også står for vår nye designprofil. Kafeen får nye drivere. Der kommer Steinar Svenning, en av Norges beste baristaer, til å ta oss til nye høyder. Samlingen har vi hengt om, med vekt på at hvert rom skal formidle en sammenheng. Vi har etablert helt nye rom i samlingsetasjen for videokunst, for papir og beslektede materialer, og et spesielt prosjektrom. Vi viser mer kunst i foajéen, blant annet videokunst, men også annet. Vår 3. etasje for skiftende utstillinger blir delt i to halvdeler, slik at vi kan vise to mindre utstillinger parallelt og en stor utstilling når det passer. everything it is perfectly ok to be upset. We are here to engage visitors, and to be engaged ourselves. SKMU Sørlandets Kunstmuseum experienced many changes in 2010 and will continue to do so in We are launching a new website designed by Bleed, one of Norway s leading design bureaus. They have created our new visual profile as well. The museum café will have new operators. Steinar Svenning, one of Norway s best baristas, is about to take us to new heights. The permanent art collection has been re-mounted in order to create a better connection between the works in each room, and we have introduced completely new rooms for video art and works on paper, and opened a special project room. The foyer is now used for presenting more art, not least video works. The second floor s temporary exhibition space is now divided into two sections so as to present two smaller exhibitions side-by-side, or one larger exhibition. 6. 7

5 I samarbeid med Finsk-Norsk Kulturinstitutt viser vi samtidskunst fra Finland i løpet av Verdensstjernen Eija-Liisa Ahtila som har vært vist på MoMA i New York og på Tate Modern i London, har sin norgespremiere her hos oss i slutten av mars. Deretter presenterer vi kunstnerne Marko Vuokola, Pilvi Takala og Sanna Kannisto på løpende bånd. Vår store sommerutstilling «Screaming from the Mountain: Landscapes and Viewpoints» kommer til å omfatte museets alle tre etasjer, med norsk, nordisk og internasjonal kunst som utgår fra en nordeuropeisk, romantisk landskapstradisjon. Det kommer til å bli en fantastisk utstilling, og vi håper å gjøre sommerutstillingene til en viktig attraksjon for alle som befinner seg på Sørlandet. Dette er våre ambisjoner. Når man nærmer seg Kristiansand fra havet er Grønningens fyrlys det første man ser. På billedkulturens område skal SKMU Sørlandets Kunstmuseum være et minst like sterkt lyspunkt, og et minst like høyt ståsted å betrakte verden og oss selv fra. PONTUS KYANDER Direktør SKMU Jun Nguyen-Hatsushiba, Happy New Year: Memorial Project Vietnam II, In collaboration with the Finnish-Norwegian Cultural Institute, we are pleased this year to present contemporary art from Finland. The world renowned Eija-Liisa Ahtila will make her Norwegian debut at SKMU at the end of March. Her works have been shown at MoMA in New York as well as at Tate Modern in London. Ahtila s exhibition will be followed up with presentations of Marko Vuokola, Pilvi Takala and Sanna Kannisto. Don t miss out on these exciting exhibitions and events! Our summer exhibition, Screaming from the Mountain: Landscapes and Viewpoints, will extend over all three floors of the museum and include Norwegian, Nordic and international art. The common thread running through all the works is the Northern European, Romantic landscape tradition. It will be a fantastic exhibition, and we aim to make it a singular attraction for all who happen to be in Sørlandet this summer. These are our ambitions. When approaching Kristiansand from the open sea, the first landmark is Grønningen s light house. In the landscape of visual art, SKMU should be as bright a beacon it should have at least as high a vantage point from which to view the world and ourselves. PONTUS KYANDER Director SKMU 8. 9

6 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Tom Claassen ONNIMALS 4. desember februar 2011 Sal 1 I naturen finnes det dyr (animals) i alle slags varianter og så finnes det onnimals. Det kan virke som om det er det sistnevnte Tom Claassen er opptatt av i de mange dyrelignende skulpturene han har laget i de senere år. Hans skulpturer har en hulhet. De ser oppblåste ut, som om de var sprekkferdige ballonger. Andre ganger kommer det samme hule uttrykket frem i figurene (for de er ikke alltid dyr) ved at all luft ser ut til å ha gått ut av dem og de er flate som et punktert dekk. De har ikke krefter til å reise seg og gå, og ikke krefter til å motstå tyngdekraften. Skulpturene uttrykker hjelpeløshet, som om de håper å møte empati hos oss. De kan virke som einstøinger eller tapere, frakoblet vår virkelighet. Skulpturene virker kanskje litt merkelige og humoristiske på en underfundig måte. Tom Claassen har en solid posisjon på den nederlandske kunstscenen, ikke minst gjennom sine mange offentlige skulpturer. Noen av disse er store, som hans motorveielefant. Andre er mer diskret som hans svarte duer med store perlekjeder i gull. De sitter på rekke og rad på en mur utenfor et eldresenter. Disse skulpturene viser et tydelig forhold til menneskene de er laget for og gjør kanskje livet litt bedre og morsommere der de står og er en del av bakgrunnen i folks hverdag. Tom Claassen ONNIMALS 4 December February 2011 Gallery 1 There are animals of all sorts in the natural world, and then there are onnimals. The latter are what Tom Claassen (b. 1964) seems to be dealing with in his many animal-like sculptures. They have a certain hollowness, sometimes expressed by a super-inflated nature, as if they were balloons just about to burst, or they have a deflated quality, like a punctured tire. There is something helpless about these sculptures. They plead for our empathy, as if they were loners and losers, or outsiders slightly disconnected from a reality we all too often regard as self-evident. They are slightly obscure and often humorous, yet without trying to be witty one-liners. Tom Claassen lives in both the Netherlands and Denmark and holds a solid position in Dutch art, not least through his numerous public sculptures. While some of these works are huge, like his motorway elephants, others are more discreet. Examples here are his rows of black birds with huge golden necklaces, sitting on a wall outside a convalescent home. They have a special significance for the people for whom they are made, and make life a bit better and even funnier by functioning as a backdrop for people s everyday lives. Tom Claassen, Untitled (Two Rabbits),

7 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Sara MacKillop 15. januar mars Papirrommet Sarah MacKillop (f. 1973) lager kunst av ting som allerede eksisterer. Resultatet er ikke romantisk som man kanskje kunne regne med, men heller minimalistisk og abstrakt. Likevel er det ingen grunn til å tvile på realiteten knyttet til verkene. En videokassett er en videokassett, men med et oversett potensial som skulptur. Det har også baksiden på et puslespill, eller et plateomslag som tilfeldigvis har en mye mindre plate inni seg. Det finnes en ambivalens ved disse arbeidene. De kan plutselig gå tilbake til sin opprinnelige tilstand. Tar man for eksempel plateomslaget ned fra veggen blir det igjen et vanlig omslag, som alle andre plateomslag. Noen filosofer mener at det finnes en essens i alle ting. Det kan virke som om Sara MacKillop leker med denne tanken. Uansett om tingene oppfattes som funksjonelle og lett gjenkjennelige har de alle et potensial for å fremstå som frigjort fra sitt opprinnelige formål eller sin essens. Ikke som komplett form, men ufullstendig form som stadig viser skyggen av opprinnelig mening og formål. I hennes kunst finner vi kjærlighetsfulle gester som retter seg mot de mange ting og objekter vi møter i hverdagen. Kanskje særlig trivielle og ubetydelige objekter. Det er ikke kunst fordi kunstnerne kaller det kunst. Det er kunst kun om vi aksepterer det som kunst. Sara MacKillop, Inner Sleeve, Sara MacKillop 15 January - 13 March The Paper Space Sara MacKillop (b. 1973) makes art from things that already exist. While this may sound romantic and material, the results are minimal and somehow abstract. Still, you never feel tempted to question the reality of her works. A video home system (VHS) box is a VHS box, but it has an overlooked potential as sculpture. This is also the case for an overturned jigsaw puzzle or a record sleeve (incidentally, it has a much smaller record inside). There is a striking ambiguity in this: any of these works can at any moment return to their original state. Take the record sleeve down from its position on the gallery wall and it will certainly become a sleeve again, among other record sleeves. Some philosophers claim that all things have a purpose and an essence. Sara MacKillop seems to turn this assumption on its head: however functional and recognizable an object may be, it has the potential to be seen divorced from purpose and essence. This is not pure form but impure form, form that carries a shadow of a more original purpose and meaning. There are plenty of tender gestures towards the objects that litter our everyday lives objects of very little merit. It is not art because the artist says so. It is art only if we accept it as such

8 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Roving Eye FILM OG VIDEOKUNST FRA SØRØST-ASIA 15. januar mars Ulike rom på SKMU Denne presentasjonen av videoarbeider fra Sørøst-Asia er resultatet av et «omstreifende blikk (Roving Eye)» over aktuelle tema som opptar kunstnere fra denne verdensdelen. Med et slikt siktemål forventes det kanskje at prosjektet sentrerer rundt en analyse av sosiale prosesser, men videoene synes derimot å ligge nærmere et personlig streiftog. Arbeidene er tankefulle, de presenterer en slags innadvendt ransakelse. Disse indre samtaler avdekker forestillinger om jeget det regi - streres skiftende kontekster og systemer kunstnere som individ beveger seg i. Åstedene i arbeidene er fortsatt spesifikke, men blir etter hvert tåkete og uklare bakgrunner for kunstnerne hvis erfaringsgrunnlag baseres på geografisk bevegelse. Kunstnerne gjør en mer kompleks verden fattbar en verden som de (kunstnerne) lett, og ofte ubesværlig, tar del i. Tiffany Chung, Across the Sea of Dust, Deltagende kunstnere: Araya Rasdjarmrearnsook (f. 1957, Thailand), Charles Lim Yi Yong (f. 1973, Singapore), Chi Too (f. 1981, Malaysia), Chris Chong Chan Fui (f. 1982, Borneo, Malaysia), Dinh Q. Lê (f. 1968, bor i USA og Vietnam), Wong Hoy Cheong (f. 1960, Malaysia), Joo Choon Lin (f. 1984, Singapore), Maria Taniguchi (f. 1981, Filippinene), Martha Atienza (Nederland og Filippinene), Phuttiphong Aroonpheng (f. 1976, Thailand), Steve Pillar Setiabudi (f. 1978, Indonesia), The Maw Naing (f. 1971, Myanmar), Tiffany Chung (f. 1969, Vietnam). This survey of video works from South East Asia assumes the position of a roving eye scouring the landscape of concerns that currently occupy artists. While one might assume that the exhibition centers on analyzing social processes, the videos seem more to resemble personal journeys. The works presented here are thoughtful, and the scrutiny is turned inwards. These internal conversations reveal concepts of self, which in turn register the shifting contexts and systems in which the artists move. The locations remain distinct and specific, but over time they become hazy backgrounds for these artists whose ground of experience includes geographical movement. The Asian artists become the compass of a more complex world, one they engage with easily, oftentimes effortlessly. Roving Eye FILM AND VIDEO ART FROM SOUTH EAST ASIA 15 January 13 March Various spaces at SKMU Participating artists: Araya Rasdjarmrearnsook (b. 1957, Thailand), Charles Lim Yi Yong (b. 1973, Singapore), Chi Too (b. 1981, Malaysia), Chris Chong Chan Fui (b. 1982, Borneo, Malaysia), Dinh Q. Lê (b. 1968, lives in the USA and Vietnam), Wong Hoy Cheong (b. 1960, Malaysia), Joo Choon Lin (b. 1984, Singapore), Maria Taniguchi (b. 1981, The Philippines), Martha Atienza (The Netherlands and the Philippines), Phuttiphong Aroonpheng (b. 1976, Thailand), Steve Pillar Setiabudi (b. 1978, Indonesia), The Maw Naing (b. 1971, Myanmar), Tiffany Chung (b. 1969, Vietnam). Joselina Cruz is an independent curator based in Manila in the Philippines. We would like to thank OCA for their contribution to the exhibition. Joselina Cruz er en uavhengig kurator basert i Manila på Filippinene. Charles Lim, Wrong Turn, Vi takker OCA for deres bidrag til utstillingen. Martha Atienza, Man in Suit,

9 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Jun Nguyen-Hatsushiba HAPPY NEW YEAR: MEMORIAL PROJECT VIETNAM II 15 January 13 March Part of Roving Eye: Film and Video Art from South East Asia Jun Nguyen-Hatsushiba HAPPY NEW YEAR: MEMORIAL PROJECT VIETNAM II 15. januar mars Del av Roving Eye: Film og videokunst fra Sørøst-Asia Happy New Year: Memorial Project Vietnam II (2003, 15 min) er den andre av Jun Nguyen-Hatsushibas tre arbeider som relaterer seg til Vietnamkrigen. Den første filmen i Memorial-trilogien tar for seg heltemodige sykkeltaxisjåfører som kjører fra stranden rett ut i vannet, hvor de fortsetter å dra sine taxier tilsynelatende uten ende langs havbunnen. Kun innimellom forsvinner de opp til overflaten for å trekke luft. Happy New Year: Memorial Project Vietnam II tar opp denne tråden, men i film nummer to er det en kinesisk drage båret av syv dykkere som vrir og bukter seg under vannet. Baller med pigmenter skytes tilfeldig ut fra en sfærisk innretning som skaper kaskader av farger som forsvinner opp mot overflaten. Der den første filmen har mystiske og eksistensielle tendenser, er den andre prangende, lystig og visuelt slående. Dens tittel relaterer i en viss grad til Nord-Vietnams overraskelsesangrep under nyttår i 1968, Tet-offensiven, men med et visuelt språk som signaliserer håp. Jun Nguyen-Hatsushibas Memorial-trilogi er laget for de levende, som en påminnelse om de skadelidende og døde, ikke bare på begge sider i vietnamkrigen, men også i de følgende katastrofene som den påtvungne migrasjonen av de såkalte båtflyktningene og det nårværende regimets grove undertrykkelse. Jun Nguyen-Hatsushiba (f. 1968) er en av dagens mest innflytelsesrike kunstnere med opphav eller tilholdssted i Vietnam. Han ble født i Tokyo med japansk mor og vietnamesisk far, kunstutdannet i USA ved Maryland Institute, The Art Institute of Chicago og Brookhaven College i Dallas. Som flere andre kunstnere med vietnamesisk opphav, har han valgt å returnere til Vietnam og arbeide derfra. jun-nguyen-hatsushiba Jun Nguyen-Hatsushiba, Happy New Year: Memorial Project Vietnam II, Happy New Year: Memorial Project Vietnam II (2003, 15 min) is the second of Jun Nguyen-Hatsushiba s seminal memorial works relating to the Vietnam War. In the first film of the trilogy, courageous cyclo (bicycle taxi) drivers rush from the shore into the water and pull their bicycle taxis along the sea bed. The race is seemingly endless, and only occasionally do they surface to catch a breath of air. In the second film, we see a traditional Chinese dragon puppet, carried by seven divers in a twisting and rocking procession under water. Balls with pigment are randomly shot from a spherical device, creating bursts of colour as they rise to the surface. While the first film has a mysterious and existential tendency, the second is flamboyant, festive and visually stunning. Its title recalls North Vietnam s surprise attack during New Year in 1968, the Tet Offensive, but in a visual language that signals hope. Jun Nguyen-Hatsushiba s memorial projects are made for the living, as reminders of those who suffered and died not only on both sides in the Vietnam War, but also in the disastrous aftermath. His films commemorate the forced migration of the boat refugees and the harsh suppression under the regime still in power. Jun Nguyen-Hatsushiba (b. 1968) is the most influential of today s artists originating from or living in Vietnam. He was born in Tokyo to a Japanese mother and a Vietnamese father, and studied art in the USA, at the Maryland Institute, the Art Institute of Chicago, and Brookhaven College in Dallas. Like several other artists of Vietnamese descent, he has chosen to return to live and work in Vietnam. jun-nguyen-hatsushiba

10 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Øystein Aasan SPOT-ON Øystein Aasan SPOT-ON 19 February 3 Gallery februar - 3. april Galleri 3 Øystein Aasan (f. 1977, Kristiansand) studerte ved Statens Kunst- og Håndverksskole ( ) og har etter lengre opphold i Helsinki, Zürich og Paris, slått seg ned i Berlin. Han tilhører den yngre generasjonen av norske kunstnere med base i en by som etter gjenforeningen i 1989 er blitt en kunstmetropol. Aktørene i den stadig mer globaliserte samtidskunsten karakteriseres gjerne av en viss grad av likhet når det gjelder innhold, form og ideer, og lar seg i mindre grad definere av en nasjonal kontekst. Dette gjelder i høy grad Aasan. Han har stilt ut i en rekke land og er innkjøpt av internasjonale samlere, blant annet Yoko Ono Collection i New York. Han arbeider i ulike medier og formater, både med abstraherte bygningsmodeller og større, arkitekturliknende skulpturer i en repetitiv struktur hvor former kombineres til lengre sekvenser. De definerer rommet, men fungerer i flere tilfeller som et «utstillingsdisplay» hvor dokumentasjonsmateriale i form av brev og bilder integreres. Et annet uttrykk er gridliknende collager, ofte med utgangspunkt i billedmateriale fra populærkulturen som for eksempel filmer og magasiner. Øystein Aasan (b. 1977, Kristiansand) received his master s degree from The National College of Art and Design in Oslo ( ) and went on to do further study in Helsinki, Zurich and Paris before setting up artistic practice in Berlin. He belongs to a young generation of Norwegian artists based in a city that has become an art metropolis after the collapse of the Berlin Wall. Those who participate in the increasingly globalized contemporary art scene share a certain degree of similarity with respect to contents, form and ideas. Only to a lesser extent can they be defined by a national context. This is especially the case for Aasan. His works have been exhibited in several countries and are purchased by international collectors, among others, the Yoko Ono Collection in New York. He uses a range of media and formats, including abstract architectural models and larger sculptures drawing on the visual language of architecture. These latter works have a repetitive structure with forms combined in long sequences. They define the space they are in, but in some cases function like exhibitionary display cases with integrated pictorial and written documents. Another of Aasan s artistic expressions is grid-like collages that use material from popular culture, for example pictures from films and magazines. Øystein Aasan, Devil s Canyon (Like Jungle beasts they fight for her love), Photo: Hans-Georg Gaul. Courtesy of Lautom, Oslo; PSM, Berlin; Galerie Katharina Bittel, Hamburg

11 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Maiken Bent SENSE OF ECHOES 19 February - 3 Gallery 2 Maiken Bent SENSE OF ECHOES 19. februar - 3. april Galleri 2 Med utstillingen Sense of Echoes presenteres Maiken Bents (f.1980, Århus DK) arbeider for første gang for et norsk publikum. Bent arbeider med skulpturer og objekter ofte brukt som elementer i større installasjoner. Formatmessig forholder arbeidene seg til den kroppslige skala og skaper slik en umiddelbar forbindelse til kroppen uten at man behøver å røre eller bruke tingene. Likevel har arbeidene klare referanser til ulike typer av funksjonelle objekter. Inspirasjonskildene til Bent er mange, blant annet gymnastikkredskaper, sexleketøy, skandinavisk møbelkunst, møbelindustrien og modernismens kunst spesielt konkretismen. Felles for arbeidene er at de omhandler hierarkier mellom forskjellige sfærer mellom kunst og bruksgjenstand, det funksjonelle og det ikke-funksjonelle, design og masseproduksjon, det offentlig og det private, mellom lyst og smerte. Tematisk dreier arbeidene rundt flertydig maktspill, ritualer, modernistisk estetikk og kroppslige erindringer. Bent har sin utdanningsbakgrunn fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i perioden Hun er i dag bosatt i København. Bent er også medeier av det kunstnerdrevne utstillingsstedet IMO, som åpnet i september 2009 i det tidligere Carlsberg-komplekset i København. Vi takker den danske Kunststyrelsen for deres bidrag til utstillingen. Maiken Bent, Camouflaged affection # 1 (detail), Photo: Anders Sune Berg. In the exhibition Sense of Echoes, the Danish artist Maiken Bent (b. 1980, Aarhus DK) makes her Norwegian debut. Bent often uses sculptures and objects as elements in larger installations. The formats of these works relate to a human scale and thus establish an immediate connection to the body yet without one needing to touch or use them. They do, however, contain clear references to various types of functional objects. Bent gathers inspiration from gymnastics apparatuses, sex toys, Scandinavian designer furniture, the furniture industry more generally and Modern art especially Concretism. A key characteristic of her artistic practice is to examine hierarchical relationships between categories such as fine and applied art, functional and non-functional objects, unique design and mass-production, public and private spheres, and pleasure and pain. Thematically, Bent s works deal with ambiguous power games, modernistic aesthetics and bodily memories. Having studied at the Royal Danish Academy of Fine Art from , Maiken Bent currently lives in Copenhagen, Denmark. She is co-owner of the artist-run IMO Gallery, which opened in September 2009 in the former Carlsberg complex in Copenhagen. We would like to thank the Danish Kunststyrelsen for their contribution to the exhibition

12 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Eija-Liisa Ahtila WHERE IS WHERE? 26. mars mai Sal 1 En markant internasjonal kunstner setter i gang vår finske satsning for Videoinstallasjonen Where Is Where? av Eija-Liisa Ahtila omslutter publikum med fire projeksjoner og tar dem med på en intens reise hvor fortid smelter sammen med nåtid, og hvor våre vante forestillinger om filmmediet både utfordres og overskrides. Sentralt i Where is Where? (orig. finsk tittel: Missä on missä?, 2008) er en hendelse som skjedde på 1950-tallet i den algeriske uavhengighetskrigen mot kolonimakten Frankrike. To algeriske gutter drepte sin franske lekekamerat som en respons på massakren i Rivet (nå Meftah) i 1956, hvor franske soldater dro 40 algeriske menn ut av sengene sine og henrettet dem. Over 50 år senere møter vi en finsk poet som fatter interesse for hendelsen og søker svar på eksistensielle og etiske spørsmål med bl.a. Døden og en kvinnelig prest som ledsagere i sin undersøkende reise. Ahtila har selv uttalt at hun primært er opptatt av fortellingen i film og foto. Filmene hennes vokser ut av langvarige perioder med forskning og skriving som fletter seg sammen med hennes egne observasjoner og erfaringer. I sine siste verk har Ahtila primært vært opptatt av grunnleggende kunstneriske problemstillinger hvor hun undersøker persepsjonsprosesser og hvordan mening dannes og tilegnes, tidvis innenfor Eija-Liisa Ahtila WHERE IS WHERE? 26 March 15 May Gallery 1 A renowned international artist kicks off this year s focus on Finnish art. Standing in the midst of Eija-Liisa Ahtila s video installation Where is Where?, we are taken on an intense journey where past and present fuse together and challenge our normal assumptions about cinematic media. The drama in Where is Where? (original title Missä on missä?, 2009) centres on an event that happened during Algeria s colonial war against France. After the 1956 massacre at Rivet (now Meftah), in which French forces dragged 40 Algerian men out of bed and executed them, two Algerian boys, as a reprisal, murdered a French boy who was their own age and a regular playmate. Over 50 years later a Finnish poet becomes interested in the incident. With companions such as Death and a female priest, the poet commence on a journey of discovery, seeking answers to existential and ethical questions. Ahtila has said she is primarily interested in the narrative possibilities of film and photo media. Her works are created through long writing and research periods where she weaves together her own observations and experiences. In her later works Ahtila deal swith more basic artistic questions where she investigates the processes of perception and Eija-Liisa Ahtila, Where Is Where?, Courtesy of Marian Goodman Gallery, New York and Paris 2008 Crystal Eye - Kristallisilmä Oy rammen av en større kulturell og eksistensiell tematikk som f.eks. kolonialisme eller tro. Where is Where? er tidligere vist på Jeu de Paume i Paris, MoMA i New York og Parasol Unit i London. Med visningen på SKMU får videoinstallasjonen til Eija-Liisa Ahtila nå sin norske premiere. Eija-Liisa Ahtila (f. 1956) er hyllet over hele verden for sine filmatiske videokunstverk og sine ofte komplekse videoinstallasjoner. Hun har hatt soloutstillinger i mange av de store kunstinstitusjonene i Europa og USA, og har mottatt flere internasjonale priser for sitt arbeid. eijaliisa-ahtila Vi takker FRAME for deres bidrag til utstillingen. attribution of meaning, at times in the light of a larger cultural and existential thematic like colonialism or faith. Where is Where? has previously been shown at Jeu de Paume in Paris, MoMA in New York and Parasol Unit in London. SKMU is pleased to host the installation s Norwegian premier. Eija-Liisa Ahtila (b. 1956) is internationally recognized for her cinematic videos and complex video installations. She has held solo exhibitions in many large art institutions in Europe and the USA and won several prestigious international prizes. eijaliisa-ahtila We would like to thank FRAME for their contribution to the exhibition

13 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Marko Vuokola, The Seventh Wave Act One, 2010 Marko Vuokola, The Seventh Wave Proof, Courtesy of the artist and galerie Anhava. Marko Vuokola 28. mai august Sal 1 Marko Vuokolas fotografiske serie The Seventh Wave er et pågående prosjekt som startet opp i Han tar alltid to fotografier av hvert motiv, hvor pausen i mellom de to varierer. Resultatet er store fotografiske diptyker. Det er ofte konvensjonelt vakre landskap som mange har fotografert før og som nærmest blir arketypiske motiver, men Vuokola kan også søke seg til det helt hverdagslige miljøet i et hotellrom eller inne hos en bilforhandler. To fotografier av samme motiv, med identisk vinkel og utsnitt, men tatt på ulik tid, gjør oss klar over hvordan fotografiet fanger tid. Vi blir stående å sammenligne, lete etter ulikheter, og gå bildene nærmere etter i detaljene, etter små skifter i lys, krusninger på vannet, bevegelse i greinene. Marko Vuokola (f. 1967) har en tydelig posisjon på den finske samtidskunstscenen og er en del av vår finske satsning for Han arbeider ofte ut fra en systematisk utprøving av kunstneriske grunntemaer som tid, perspektiv, kunnskap og det å se, og velger seg egnet metode og medium etter hvilket spørsmål han undersøker. Vi takker FRAME for deres bidrag til utstillingen. Marko Vuokola 28 May 21 August Gallery 1 Marko Vuokola s photographic series The Seventh Wave is an ongoing project that started in Vuokola always takes two pictures of every motif, and the time lapse between the two shots varies. They result in large photographic diptychs, often of conventionally beautiful landscapes such as we have seen many times before, but they can just as easily be photographs of mundane hotel room interiors or a car dealership. Two photos of the same motif with identical angle and cropping, yet taken at different points in time, enable us to see how photography captures time. We find ourselves standing there making comparisons and hunting for differences. We scrutinize the details, minute changes in lighting, ripples in water and movements in tree branches. Marko Vuokola (b. 1967) has distinguished himself in the contemporary art scene and is part of our focus on Finnish art in He systematically explores basic artistic themes such as time, perspective, knowledge and the phenomenon of vision, choosing methods and media that are consistent with his research questions. We would like to thank FRAME for their contribution to the exhibition

14 Januar Februar Mars Mai Juni Juli August Screaming from the Mountain LANDSCAPES AND VIEWPOINTS 25. juni 25. september Alle etasjer Screaming from the Mountain: Landscapes and Viewpoints er en storskala utstilling som tar sikte på å utforske den nordiske landskapstradisjonen. Utstillingen har sitt utgangspunkt i en romantisk maleritradisjon, men fokuserer først og fremst på hvordan denne kan speiles og rekontekstualiseres gjennom samtidig kunstpraksis. Utsiktspunktet viser seg å være vel så viktig som utsikten: hvor du står med hensyn til geografi, historie, kjønn, makt eller om du faktisk ikke ser et landskap, men genren i seg selv. Flere verk av viktige historiske kunstnere vises på utstillingen navn som JC Dahl, Peder Balke, Kitty Kielland, Carl Fredrik Hill, Elias Martin og andre. Utstillingens hovedfokus ligger på verk av nordiske samtidskunstnere, men flere internasjonale kunstnere er også invitert med, for eksempel Isaac Julien, Mariele Neudecker, João Penalva, Job Koelewijn og Cornelia Parker. Anne Katrine Dolven, 2 am south, 2003, Malmö konstmuseum Av de historiske arbeidene og de samtidige nordiske, er brorparten et lån fra Malmø Kunstmuseums samling. Disse vil suppleres av lån fra andre samlinger. Utstillingen har også med flere individuelt inviterte kunstnere fra Sverige, Finland, Norge, Danmark og Island, samt arbeider som er produsert spesielt for utstillingen. Screaming from the Mountain vil stilles ut i alle tre etasjer på SKMU Sørlandets Kunstmuseum, og involverer komplekse og storformatarbeider i medier som spenner fra maleri og skulptur til video og installasjon, i tillegg til verk av høy historisk verdi. Vi vil også benytte anledningen til å undersøke vår egen samling grundig og invitere unge regionale kunstnere til å delta. Job Koelewijn, Bonnet, Courtesy of the artist and Galerie Fons Welters, Amsterdam

15 2012 September Oktober November Desember Januar Februar Mars Screaming from the Mountain LANDSCAPES AND VIEWPOINTS 25 June 25 September All Floors Screaming from the Mountain: Landscapes and Viewpoints is a large scale exhibition examining the Northern European landscape tradition. It departs from the painterly tradition of Romanticism, yet focuses on how this can be mirrored and re-contextualized through contemporary art practices. The viewpoint proves as important as the view: it matters where you stand in relation to geography, history, gender and power. You may actually not be looking at a landscape at all, but on the genre as such. Benny Dröscher, A House with Love in it, Shelter (Never Underestimate the Love of the Fairies) 2001, Malmö konstmuseum. Works by several important historical artists will be included, not least Johan Christian Dahl, Peder Balke, Kitty Kielland, Carl Fredrik Hill and Elias Martin. While the main focus is on contemporary Nordic artists, several contemporary international artists will also participate, including Isaac Julien, Mariele Neudecker, João Penalva, Job Koelewijn and Cornelia Parker. Of the historical and the contemporary Nordic works, most are on loan from the collections of Malmö Art Museum. These will be supplemented by works from other collections as well. The exhibition includes several specifically invited artists from Sweden, Finland, Norway, Denmark and Iceland, some of whose works are commissioned for the event. Stretching across all three floors of SKMU Sørlandets Kunstmuseum, Screaming from the Mountain includes complex, large-scale works in media ranging from painting and sculpture to video and installation, as well as works of great historic value. We will use the opportunity to examine our own collections thoroughly and invite young regional artists to take part in the exhibition. Cornelia Parker, Avoided object. Photograph of the sky above Imperial War Museum taken with the camera that belonged to Höss, commandant of Auschwitz, Courtesy of the artist and Frith Street Gallery, London. Isaac Julien, True North, Courtesy of the artist

16 2012 September Oktober November Desember Januar Februar Mars Punktkunst 2011 DAVID SYLVIAN - I SAMARBEID MED ATSUSHI FUKUI UNCOMMON DEITIES Punktkunst 2011 DAVID SYLVIAN IN COOPERA- TION WITH ATSUSHI FUKUI UNCOMMON DEITIES 1 September 9 October Gallery 1 David Sylvian. Photo: Samadhisound. Kurator/liasion: Yuka Fujii for Osmosis/Samadhisound Artist Management: Richard Chadwick for Opium (Arts) Ltd Curator/liaison: Yuka Fujii for Osmosis/Samadhisound Artist Management: Richard Chadwick at Opium (Arts) Ltd september - 9. oktober Sal 1 Til Punktkunst 2011 har Punktfestivalen inngått et samarbeid med SKMU Sørlandets Kunstmuseum om visning av installasjonen Uncommon Deities av David Sylvian. David Sylvian (f i London) har vært aktiv siden 1970-tallet, og er kjent blant annet som komponist, musiker, fotograf og produsent. Han har gitt ut en rekke album, både solo og i samarbeid med mange verdenskjente musikere. Han har også arbeidet med en rekke kunstprosjekter. Uncommon Deities blir et samarbeid mellom Sylvian og den japanske billedkunstneren Atsushi Fukui (f. 1966, Aichi, Japan) der både lydopptak, veggmaleri og maleri på papir vil inngå som deler av installasjonen. I Uncommon Deities arbeider Sylvian med å utforske tanker som kretser rundt universalitet, åndelighet og allmenn menneskelig eksistens som beveger seg utover det vitenskaplige mot en intuitiv logikk en forutsatt kulturell arv. Installasjonen vil være åsted for opptredener i forbindelse med at Punktfestivalen avholdes september. Parallelt vil det vises arbeider av Atsushi Fukui i Papirrommet i 2. etasje. For Punktkunst 2011, the Punkt Festival and SKMU are pleased to collaborate on presenting the installation Uncommon Deities by David Sylvian. David Sylvian s (b in London) artistic career began in the 1970s. He is now a renowned composer, musician, photographer and producer, having made numerous albums, both as solo productions and in cooperation with many world-famous musicians. He has also created a series of visual art projects. Uncommon Deities will be a cooperation between Sylvian and the Japanese artist Atsushi Fukui (b.1966, Aichi, Japan) where both sound recordings, wall painting and painting on paper will be part of the installation. In the installation, Sylvian explores ideas related to universality, spirituality and general human existence, all of which extend beyond science and verge on an intuitive logic that presupposes a cultural heritage. The installation site will be the venue for performances in connection with Punkt Festival (1-3 September 2011). Parallel to this event, we present works by Atsushi Fukui in the Paper Space on the 1st floor

17 2012 September Oktober November Desember Januar Februar Mars Jan Christensen 15. oktober januar 2012 Galleri 3 Jan Christensen (f. 1977, København) bor og arbeider i Oslo og Berlin. Christensen er utdannet ved Statens Kunst- og Håndverksskole i Oslo. Med utstillinger i for eksempel München, Berlin, Praha, New York, og studieopphold i blant annet Frankrike, Irland og Korea, fremstår han som en av de mest internasjonalt aktive norske kunstnere i sin generasjon. Christensen har gjort seg bemerket med arbeider i grenselandet mellom billedkunst og andre visuelle uttrykk som graffiti og grafisk design. Han er særlig kjent for monumentale veggmalerier, og står dermed i en lang kunsthistorisk tradisjon. Flere av dem er laget som offentlige utsmykninger. De tar rommet i besittelse og inngår i et komplekst og lekent forhold til arkitekturen. En annen verkgruppe er installasjoner hvor eksisterende objekter, såkalte «found objects», plasseres i nye og overraskende konstellasjoner, samt arbeider hvor kombinasjon av tekst og bilde inngår. Hans aktiviteter favner bredt, og i flere arbeider tematiserer han egen rolle som kunstner. I dette bildet inngår også kuratering av utstillinger i Norge og utlandet. Slik sett er Christensens virke uttrykk for en ny og mer fleksibel kunstnerrolle. Jan Christensen 15 October 15 January 2012 Gallery 3 Jan Christensen (b. 1977, Copenhagen) lives and works in Oslo and Berlin. He graduated from the National College of Art and Design in Oslo. Participating in exhibitions as far a field as Munich, Prague and New York, and with study periods in places as diverse as France, Ireland and Korea, Christensen stands out as one of the most internationally active Norwegian artists of his generation. Christensen came to the wider art world s attention on account of creating works that border on traditional pictorial art, graffiti and graphic design. His monumental murals allow him to be seen in the context of a long art historical tradition. Several of his productions are public decorative commissions that fill the room and engage with its architecture in complex and playful ways. Also worth noting are his installations. To make them, he sometimes puts found objects in new and surprising constellations, or uses texts and pictures as elements. While Christensen s artistic practice is diverse, a recurring theme could be said to be his own role as an artist, which includes curatorial activities in Norway and abroad. As such, Christensen s practice expresses an artist s role that is new and more flexible than that of earlier generations. Jan Christensen, Still More Titles for Which I Don t Know What to Make, Photo: Ernst Jank

18 2012 September Oktober November Desember Januar Februar Mars Sanna Kannisto 15. oktober januar 2012 Galleri 2 & Agder naturmuseum Sanna Kannisto tar oss med dypt inn i regnskogen til en eksotisk og rik verden av planter, dyr og naturvitenskapelig forskningsarbeid. Ved hjelp av video og fotografi viser hun frodighet, skjønnhet og en god porsjon underfundig humor. Sanna Kannistos kunstneriske prosjekt har til nå tatt utgangspunkt i flere forskningsturer hun har tatt til biologiske feltstasjoner i Brasil, Fransk Guyana og Costa Rica i årene I regnskogen liker hun tanken på at hun er en visuell forskningsarbeider. Hun kombinerer og låner arbeidsmetoder fra naturvitenskap, antropologi, arkeologi og stillebenmaleriet. Kannisto dokumenterer på den ene siden sine egne metoder og egen arbeidsprosess, på den andre siden isolerer hun planter og dyr og konstruerer sammenhenger. Til sammen viser hun kunstens og vitenskapens felles prosjekt i det å avbilde, systematisere, forstå og kontrollere våre omgivelser. Et prosjekt som til tider kan virke uovergripelig i den tette regnskogen, eller absurd når konstruksjonene blir overtydelige. Således diskuterer hun også fotografiets rolle som sannhetsbærer i dette prosjektet. Sanna Kannisto (f. 1974) tilhører en yngre generasjon kunstnere som befester en sterk satsning på fotografiet som kunstnerisk medium i Finland. Dette er Kannistos første soloutstilling i Norge og er et ledd i vår finske satsning i Utstillingen er et samarbeid med Agder naturmuseum og botaniske hage. Vi takker FRAME for deres bidrag til utstillingen. Sanna Kannisto 15 October January 2012 Gallery 2 & Agder naturmuseum Sanna Kannisto takes us deep into a rain forest, to an exotic, opulent world of plants, animals and natural science. Through video and photography, she reveals beauty and voluptuousness along with a sizeable portion of wry humour. Her artistic project has thus far been based on research trips she has made to biological field stations in Brazil, French Guyana and Costa Rica ( ). While in the rain forest, she likes to think of herself as a visual researcher. She borrows and combines work methods from natural science, anthropology, archaeology and still life painting. On one hand, Kannisto documents her own methods and work processes; on the other hand, she isolates plants and animals and constructs new connections. It is as if she wants to present the common project of science and art: to represent, systematize, understand and control the environment. In a dense rainforest, this project can at times seem impossible or absurd, especially when the constructions are overly obvious. Through these means, she also comments on the role of photography as a truthful witness. Sanna Kannisto, Private Collection, Sanna Kannisto, Dictyophora Indusiata, Sanna Kannisto (b. 1974) belongs to a young generation of Finnish artists who use photography as an artistic medium. This is her first solo exhibition in Norway, and part of our extended focus on Finland. The exhibition is a collaborative project with Agder Natural History Museum and Botanical Garden. We would like to thank FRAME for their contribution to the exhibition

19 2012 September Oktober November Desember Januar Februar Mars Pilvi Takala 15. oktober november Ulike rom på SKMU Pilvi Takala (f. 1981) viser oss med humor og finurlige eksperimenter hvordan grensene mellom frihet og streng sosial kontroll er hårfin innenfor ulike institusjonelle rammer. Hennes videoverk tar ofte utgangspunkt i performancer hvor hun gjør handlingsbaserte inngrep i ulike settinger. Ved å bryte små sosiale koder avdekker hun ofte kontrollinstanser som sjelden avdekkes i det daglige liv, og som sjelden tåler dagens lys. I The Trainee går hun inn som trainee i en måned ved Deloittes kontorer i Helsinki. Arbeidstiden bruker hun på å sitte en hel dag med hendene i fanget, eller hun bruker en hel dag på å kjøre heis. Denne virksomhetsløsheten fører til uro blant kollegaene som ikke vet hvordan de skal håndtere noe slikt. I en annen video, Real Snow White, utfordrer hun Disneykonsernets kontrollrutiner ved å troppe opp utenfor Euro Disney i Frankrike ikledd et snøhvitkostyme. Barn går ofte utkledd på denne måten, men hvordan reagerer vaktene når plutselig en voksen dame går utkledd slik? Pilvi Takala (f. 1981) har allerede en aktiv internasjonal karriere. Hennes videoverk har blitt vist ved en rekke kortfilmfestivaler, samt større internasjonale kunstbiennaler som Berlinbiennalen og Istanbulbiennalen. Hennes kunst er innlemmet i samlingen til de fleste større kunstmuseene i Finland. Utstillingen på SKMU er hennes til nå største utstilling i Norge og er et ledd i vår finske satsning i Pilvi Takala 15 October - 20 November Various spaces at SKMU Pilvi Takala (b. 1981) uses humour and cunning experimentation to show us the tenuous boundaries between freedom and strict social control. Her video works are often based on performances that involve active intervention in a situation over an extended time period. By breaking minimal social codes, she reveals control mechanisms that tend to go unnoticed in daily life, some of which can hardly tolerate the light of day. The Trainee is a collaborative project with the firm Deloitte in Helsinki. The artist spends a month as a trainee in the company s office, but uses the time to do nothing other than sit with her hands folded, or spend an entire day riding the elevators. This causes consternation amongst colleagues who cannot cope with overt time wasting. In another video, Real Snow White, the artist challenges Disney s control routines by appearing outside Euro Disney in France dressed in a Snow White costume. Children often come dressed in this way, but how do the guards react when an adult appears in this get-up? Pilvi Takala (b. 1981) has already enjoyed an active international career. Her video works have been shown at several short film festivals and at international art biennials such as those in Berlin and Istanbul. Her art can be found in most of Finland s major art museums. The exhibition at SKMU is her first larger show in Norway and part of our focus on Finnish art in Pilvi Takala, The Trainee, Pilvi Takala, Real Snow White,

20 2012 September Oktober November Desember Januar Februar Mars Peter Callesen 26. november januar 2012 Sal 1 Peter Callesen (f. 1967, Danmark) har helt siden sine tidligste performancer, videoverk og tegninger behandlet eksistensielle temaer: Hvorfor er vi her? Hva kan meningen med det hele være? Eksisterer det noen andre sannheter enn de mest opplagte? Mange av Callesens tidlige arbeider var performancer hvor han iscenesatte situasjoner med liten mulighet for suksess. Gjerne tilnærmet av antihelter utstyrt med en ukuelig optimisme for oppgaven, eller i det minste med en gjennomgående stahet i gjennomføringen. Eksempelvis kunne Callesen som sjømann i marineuniform sette ut på innsjøer og hav i et brettet kartongfartøy, mens han desperat kjempet for å holde seg flytende. Peter Callesen 26 November January 2012 Gallery 1 Even in his earliest videos, drawings and performances, Peter Callesen (b. 1967, Denmark) has dealt with existential issues: Why we are here? What is the meaning of life? Are there any other truths than those that are most obvious? Peter Callesen, Distant Wish (detail), Callesens berømmelse som kunstner er oftest forbundet med hans utkuttete verk i papir og kartong som varierer fra bittesmå til monumentale formater. Også i disse verkene fortsetter han å utforske temaer forbundet med liv og død, tro og fortvilelse. Many of his early works were performances of staged situations with very little chance for success. They involved anti-heroes with an unfailing optimism about their task or at least a deadpan stubbornness in their approach. One example is when Callesen donned a sailor uniform and launched into lakes and oceans on a folded cardboard raft, desperately fighting to stay afloat. Callesen s fame as an artist is mostly connected to his paper and cardboard cut-outs ranging from very small to monumental formats. Also in these works, he continues exploring topics connected to life and death, belief and despair